The Twilight Zone: Jede Episode im Ranking

Apr 14, 2024

In der Einleitung zu seinem unschätzbar wertvollen Buch „The Twilight Zone Companion“ nennt Marc Scott Zicree Rod Serlings bahnbrechenden Film eine „Blume, die in einer Fernsehwüste blüht“. Der Einfluss der Serie auf unser Verständnis des Potenzials des Fernsehens, kühne, komplexe Geschichten zu erzählen, ganz zu schweigen von den Genres Science-Fiction, Horror und Fantasy, lässt sich kaum überbewerten: Die Top-Episoden von Twilight Zone definieren nicht nur die Form der Anthologieserie, sondern verkörpern auch die von Serling Vision für wöchentliche Kurzgeschichten mit komplexen moralischen und existenziellen Problemen. Dies stellte sicher, dass „Genre“-Gerichte nicht länger als bloßes Kinderspiel abgetan werden konnten.

Der vielleicht einzige Nachteil für einen eingefleischten Twilight Zone-Fan ist das Wissen, dass selbst der „originellste“ High-Concept-Film, die Fernsehserie oder der Roman oft auf mindestens eine Episode der Serie zurückgehen kann, die 1959 Premiere hatte: Schließlich sind seine zentralen Themen – Angst, Paranoia, Vorurteile, Gier, Ego usw. – zeitlos. So war beispielsweise sein erster Nachahmer, „The Outer Limits“, selbst so erfolgreich, dass er in den 1990er Jahren bereits sieben Staffeln lang neu gestartet wurde, und die beliebte „Black Mirror“-Serie wäre ohne den Einfluss von „The Twilight Zone“ nicht vorstellbar.

Seit das Original 1964 zu Ende ging, debattieren Fans über die besten „Twilight Zone“-Folgen (wobei die schlechtesten „Twilight Zone“-Folgen bei der Syndizierung oder bei TV-Marathons weitgehend ignoriert werden). Die anhaltende Popularität des Konzepts hat auch mehrere eigene Fortsetzungen ermöglicht. Ein 1983 uraufgeführter Twilight Zone-Film, der größtenteils aus Remakes klassischer Episoden besteht, bei denen die Hollywood-Stars der damaligen Zeit Regie führten. Der Erfolg des Films führte 1985 zu einem Neustart der Serie, die drei Staffeln lang ausgestrahlt wurde, und zu einer 2002 von Forest Whitaker moderierten Version, die nur eine Staffel lief. Dann kam Jordan Peele, dessen sozialbewusstes Horror-Meisterwerk „Get Out“ ihn als den perfekten kreativen Kopf für die Nachfolge von Serling anbot: Direkt nach dem Debüt seines zweiten Spielfilms „Us“ wurde Peeles Neuauflage von Serlings Serie aus dem Jahr 2019 auch in einer Staffel mit Erfolg oder Misserfolg auf CBS ausgestrahlt All Access (jetzt Paramount+).

Es scheint, als gäbe es nichts Besseres als einen Klassiker, deshalb finden Sie unten eine Rangliste aller Originalepisoden von Twilight Zone, vom schlechtesten zum besten, um Ihnen beim ersten Anschauen oder erneuten Ansehen zu helfen:

156. „I Dream of Genie“ (Episode 4.12) Das Ende dieser Liste enthält eine Reihe von Titeln aus der unglücklichen vierten Staffel, als CBS beschloss, jede Episode auf eine Stunde zu verlängern. Die Fabeln von „The Twilight Zone“ waren für das halbstündige Format in Ordnung, übertrafen aber ihre Beliebtheit, als sie in der Länge verdoppelt wurden und viel repetitiven Füller enthielten. Rechnet man das Verhältnis von Hits zu Hits in puncto Comedy hinzu, sticht „I Dream of Genie“ heraus wie der Pilot einer langen, trägen Sitcom. Die Prämisse, in der ein witziger Geist (Jack Albertson) einen liebeskranken Schlub (Howard Morris) in verschiedene Szenarien versetzt, damit er seine Schwärmerei am Arbeitsplatz „überwinden“ kann, stammt aus der Zeit vor dem Dudley Moore-Peter Cook-Klassiker Bedazzled. Schauen Sie sich stattdessen das an.

155. „The Bard“ (Episode 4.18) Die Twilight Zone ist dafür bekannt, giftige Charaktere durch ironische kosmische Gerechtigkeit in die Schranken zu weisen. Dies ist eine der seltenen Episoden, in denen eine solche Person nicht nur als charmant dargestellt wird, sondern auch für ihr doppelzüngiges Verhalten belohnt wird. Jack Weston drängt sich allzu hektisch vor die Kamera als Fernsehautor, der William Shakespeare (John Williams, als Imitation von „Der Barde“ auf Grundschulniveau) heraufbeschwört, um seine Ideen zu stehlen. Die Folge ist dafür bekannt, dass Burt Reynolds einen kurzen Auftritt hat, aber das reicht nicht aus, um dieser Folge eine Chance zu geben.

154. „Herr. „Dingle, der Starke“ (Folge 2.19) Wenn „The Twilight Zone“ einen schauspielerischen MVP hat, dann ist es Burgess Meredith, aber selbst Merediths natürliche Wärme kann diese knallige Slapstick-Folge über einen eindimensionalen Trottel, dem ein Marsianer-Duo Superkräfte verleiht, nicht retten ( zwei kahlköpfige Männer, die um ein Leichentuch gewickelt sind). Wie vorherzusehen war, nutzt der Mann seine neuen Kräfte in einer Reihe von Sequenzen, die an Superman aus der George-Reeves-Ära erinnern, nur um die Episode im Sande verlaufen zu lassen, als ihm die Ideen für lahme Versatzstücke ausgehen.

153. „A Quality of Mercy“ (Episode 3.15) Die Geschichte eines amerikanischen Soldaten (Dean Stockwell) aus dem Zweiten Weltkrieg, der auf magische Weise auf japanischer Seite kämpfte, hätte als schönes, aber unvergessliches Beispiel für die vielen Schuh- in die Geschichte der Twilight Zone eingehen können. Fabeln auf dem anderen Fuß. Was es heute schrecklich und abscheulich macht, ist die Entscheidung, keinen japanischen Schauspieler für das Switcheroo zu besetzen, sondern Stockwell in ein peinliches gelbes Gesicht zu setzen, komplett mit Mickey Rooney-in-Breakfast mit Tiffanys Akzent.

152. „Hocus Pocus und Frisby“ (Episode 3.30) Das Drehbuch für diese von Serling verfasste Episode, eine weitere in einer langen Reihe komödiantischer Fehltritte, liest sich wie ein schrecklich temporeicher erster Entwurf, der innerhalb einer Stunde fertiggestellt wurde. Die einfache Prämisse, in der ein zwanghafter Lügner (Andy Devine) von Außerirdischen entführt wird, die seinen Lügen glauben, wird erst mehr als in der Mitte der Episode vorgestellt. Nachdem er sich selbst in die Enge getrieben hat, nutzt Serling auch einen unverzeihlichen Deus ex machina, um sich zu befreien. Devines monotoner Auftritt bringt einen fast zum Einschlafen.

151. „Jess-Belle“ (Folge 4.07) Dieses Country-Melodram leidet sowohl unter den Unzulänglichkeiten der langen Episodenlänge der vierten Staffel als auch unter der schrecklich stereotypen Darstellung von Frauen. Die Geschichte eines liebeskranken Mädchens (Anne Francis), das auf Hexerei zurückgreift, um ihren verdammt guten alten Jungen-Schwarm (James Best) zu ergattern, ist jedoch tatsächlich zur Hälfte gelöst. Aber da die Episode eine Stunde lang sein muss, sitzen wir im Grunde in der Wiederholung einer Geschichte, die zunächst nicht sehr attraktiv war.

150. „Black Leather Jackets“ (Episode 5.18) Serlings Verzweiflung, am Ende der fünften und letzten Staffel neue Ideen zu entwickeln, führte zu dieser lächerlichen Prämisse: Es handelt sich um eine Bande „bedrohlicher“, West Side Story-artiger Motorradgangster eigentlich Außerirdische, die die Wasserversorgung der Stadt vergiften wollen. Einer (Lee Kinsolving) verliebt sich in ein Mädchen (Shelley Fabares) und versucht sie zu warnen. Das Ende ist überraschend düster für einen so ungewollt witzigen Ausflug, aber das ist auch schon der einzige Lichtblick.

149. „Königin des Nils“ (Folge 5.23) Wie „The Sixteen Millimeter Shrine“ schickt diese Folge den Sunset Blvd hinauf. mit seiner Erkundung der Unsicherheiten, die alternde Filmstars plagen. Die Geschichte eines Reporters (Lee Philips), der gegenüber einem Hollywoodstar (Ann Blyth), der offenbar seit Jahrzehnten nicht gealtert ist, misstrauisch wird, beginnt interessant genug, entwickelt sich aber schließlich zu purem Trottel. Die Wendung außerhalb des linken Feldes gehört zu einer der besonders breiigen „Monster der Woche“-Folgen aus Star Trek: TOS, nicht aus The Twilight Zone.

148. „The Whole Truth“ (Episode 2.14) „The Whole Truth“ ist insofern bedeutsam, als es die Prämisse des Jim-Carrey-Hits „Liar, Liar“ um mehr als drei Jahrzehnte vorwegnimmt: Es geht um einen zwielichtigen Gebrauchtwagenverkäufer (Jack Carson). der die Fähigkeit zum Lügen verliert, nachdem er ein „Spukauto“ geerbt hat. Der Humor geht nicht weit über den simplen und eintönigen Witz „Gebrauchtwagenverkäufer muss die Wahrheit über die beschissenen Fahrzeuge sagen, die er auszuladen versucht“ hinaus. Um das Ganze noch schlimmer zu machen, endet die Episode mit einem Knopf, der die Vorurteile duldet, die aus der Paranoia des Kalten Krieges dieser Zeit herrühren.

147. „Herr. Bevis“ (Folge 1.33) Diese Folge ist ein weiterer unglücklicher Comedy-Auftritt der Serie. Es stellt eine ziemlich einfache existentielle Frage durch seine Moralgeschichten-Prämisse, die wie ein außerschulisches Special wirkt: Die Geschichte konzentriert sich auf einen Verlierer (Orson Bean), dem sein Schutzengel (Henry Jones) ein erfolgreiches Leben geschenkt hat, aber Lohnt sich Erfolg, wenn er auf Kosten des Charakters geht? Bean ist in der Hauptrolle durchaus charmant, aber die langweilige Struktur, in der die gleichen Sequenzen mit cartoonhaft unterschiedlichen Ergebnissen wiederholt werden, lässt ihren Reiz ziemlich schnell nach.

146. „The Bewitching Pool“ (Episode 5.36) Das Einzige, was an dieser völlig falsch berechneten Wunscherfüllungsfantasie auffällt, ist, dass es sich im Grunde genommen um Kinderprogramme in einer angeblich ausgefallenen Science-Fiction-/Horrorserie handelt. Es geht um zwei verwöhnte Kinder (Mary Badham und Tim Stafford), die in ein interdimensionales Portal springen, das als Schwimmbad getarnt ist – ja, Sie haben richtig gelesen. Auf der anderen Seite steht eine unheimlich freundliche alte Dame (Georgia Simmons), die den Kindern alles gibt, was sie wollen, was zu einer seltenen Episode führt, in der am Ende die schlimmste Lektion gelernt wird.

145. „Was ist in der Box?“ (Episode 5.24) Die Twilight Zone ist voller ironischer Geschichten, in denen ein Protagonist vor einer Tragödie gewarnt wird, die in der Zukunft passieren wird, nur um dann zu dieser Tragödie zu kommen, weil er so sehr versucht hat, sie zu vermeiden Es. Diese Formel nimmt ihre albernste Form in „What's in the Box?“ an, dessen Titel möglicherweise die berüchtigte Zeile von Brad Pitt aus Se7en inspiriert hat oder auch nicht. Die Geschichte eines Schlubs (William Demarest), der auf seinem Fernseher die Zukunft sehen kann, beginnt recht witzig, verfällt dann aber in unverdienten Slapstick.

144. „Die unglaubliche Welt des Horace Ford“ (Folge 4.15) Die einfache Lektion aus dieser Folge über die Gefahren der Nostalgie, über ein Mann-Kind (Pat Hingle), das sich nach seinen unbeschwerten Tagen sehnt, nur um dann zu erkennen, dass sie es möglicherweise nicht waren So lustig er dachte, als er sich wieder in ein Kind verwandelte (Jim E. Titus), bräuchte selbst in halbstündiger Form etwas Füllmaterial. Bei einer Stunde fühlt es sich unendlich lang an, vor allem dank der Wiederholung des gleichen Mysteriums um eine kaputte Uhr ohne große Entwicklung.

143. „Sounds and Silences“ (Episode 5.27) Diese Episode über einen Mann (John McGiver), der laute Geräusche liebt – zum Nachteil seiner Lieben –, wenn er von seiner Medizin probiert wird, kommt nie auf die Beine. Stattdessen experimentiert es mit verschiedenen Formen leichter Ironie für den Protagonisten: Zuerst hört er alles bis hin zum leisesten Geräusch, dann kann er überhaupt nichts mehr hören usw. usw. Bis wir zum simplen und sexistischen Finale kommen .

142. „Der Mann in der Flasche“ (Episode 2.2) Immer wenn ich eine Parodie auf „The Twilight Zone“ sehe, in der der Witz darin besteht, dass die Serie nichts weiter als eine Reihe von Wendungen um der Handlung willen sei, werde ich an diese Misshandlung erinnert und chaotische Episode. Diese Beobachtung geht auf das oft verspottete „Du bist Hitler!“ zurück. Moment in „Der Mann in der Flasche“, aber die ganze Angelegenheit ist ein Durcheinander wirrer Wendungen. Die Geschichte eines Ladenbesitzers (Luther Adler), dem vier Wünsche erfüllt werden, nur dass jeder Wunsch eine ironische Wendung enthält, liest sich, als hätte Serling beschlossen, vier Episoden aus dem Ausschussstapel in ein einziges Drehbuch zu packen.

141. „Eine äußerst ungewöhnliche Kamera“ (Episode 2.10) Diese moderne Interpretation der Fabel von der Gans, die das goldene Ei legte, beginnt faszinierend und handelt von einer Gruppe von Gaunern, die eine Kamera stehlen, deren Bilder die Zukunft erzählen. Sie nutzen die Kamera, um mit Pferderennen Geld zu verdienen, streiten sich dann aber darüber, wie sie den Rest des Films am besten nutzen können, obwohl sie nicht wissen, ob das Einfügen eines neuen Films seine Leistung einschränkt oder nicht. Unglücklicherweise schießt sich Serlings Drehbuch selbst ins Bein, als es am Ende ankommt und erkennt, dass die Fernsehkonvention die Bestrafung der Kriminellen vorschreibt. Das daraus resultierende überstürzte Finale ist voller unbeabsichtigter Heiterkeit.

140. „In letzter Zeit denke ich an Cliffordville“ (Folge 4.14) Dies ist eine weitere von Serling verfasste Episode über einen gelangweilten und depressiven Mann, der in seine Jugend zurückversetzt wird, nur um herauszufinden, dass die Vergangenheit nicht so gut gelaunt war, wie er dachte. Vielleicht versuchte Serling, der während der Show überarbeitet war, eine Ausrede zu finden, um nicht über sein einfacheres Leben in der Vergangenheit nachzudenken. „Cliffordville“, in dem ein reicher alter Mann (Albert Salmi) wieder jung wird und erkennt, dass seine alte Seele nicht mit seinem jugendlichen Lebensstil vereinbar ist, hat zwei große Nachteile: Mit einer Stunde ist es viel zu lang, und das Die Anwendung von Magie in der Episode – eine Frau namens Devlin (Julie Newmar), die buchstäblich Teufelshörner trägt – ist selbst für Newmars Ruf als Camp zu kitschig.

139. „Caesar and Me“ (Episode 5.28) In „Twilight Zone“ gibt es jede Menge eindringliche Episoden über empfindungsfähige Puppen, die blutiges Chaos anrichten, aber „Caesar and Me“ gehört nicht dazu. Der Autor AT Strassfield greift die Prämisse von Serlings bahnbrechender Bösewicht-Episode „The Dummy“ auf und fügt ein unüberlegtes Element einer Gangsterparodie aus den 1930er-Jahren hinzu. Jackie Cooper behauptet sich als Bauchredner, dessen Marionette sich in einen schlechten Jimmy-Cagney-Imitator verwandelt und ihn zu Verbrechen zwingt, doch der gesamten Folge geht schnell die Luft aus.

138. „Come Wander With Me“ (Episode 5.34) „Come Wander With Me“ drängt sich in die Enge und kann keine klare Richtung finden, in die die Prämisse gehen soll. Die Lösung? Füllen Sie die Episode mit zufälligen Wendungen und hoffen Sie, dass es funktioniert. Gary Crosby ist halbwegs charmant als Rockabilly-Schlagersänger, der in die Vergangenheit reist, um eine Melodie aufzunehmen, die er gehört hat, aber die Episode bleibt in einer Reihe zusammenhangsloser Geheimnisse stecken.

137. „The Mighty Casey“ (Folge 1.35) Diese unbeschwerte Komödie über einen Baseball spielenden Roboter (Robert Sorrells), dem ein menschliches Herz geschenkt wurde, hätte als Samstagmorgen-Special für das Disney-Publikum besser funktioniert. Für „The Twilight Zone“ ist es bei weitem zu schmalzig. Darüber hinaus ist der Ton allgegenwärtig und schwankt zwischen slapstickischer Albernheit und predigenden Lektionen darüber, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Darüber hinaus war die Produktion voller Probleme.

136. „The Chaser“ (Folge 1.31) Die Politik der Twilight Zone war für ihre Zeit überraschend fortschrittlich. Leider gibt es auch gelegentliche Episoden, wie zum Beispiel den schrecklich sexistischen „The Chaser“, die uns daran erinnern, wie rückständig diese Zeit war. Diese angeblich „charmante“ Geschichte über einen Verlierer (George Grizzard), der einen Zaubertrank verwendet, um seine Schwärmerei (Patricia Berry) dazu zu bringen, sich in ihn zu verlieben, nur um auszurasten, als sie zu „anhänglich“ wird, nimmt ihm jegliche Entscheidungsfreiheit weiblichen Charakter und verwandelt sie in ein gedankenloses Stück Fleisch.

135. „Still Valley“ (Episode 3.11) Für das Sonntagsschulpublikum hätte „Still Valley“ vielleicht als eine gesunde, auf Glauben basierende Moralgeschichte gewirkt. Für alle anderen wird die im Bürgerkrieg angesiedelte Geschichte eines Konföderierten-Spähers (Gary Merrill), der spirituelle Kräfte erhält, um die gegnerische Armee zu vernichten, zu predigt wirken. Wir schauen uns „The Twilight Zone“ wegen seiner moralisch komplexen und eindringlichen Erzählungen an. „Still Valley“ ist so banal, dass es in eine Show namens „The Light Zone“ gehört.

134. „The 7th Is Made Up of Phantoms“ (Episode 5.10) Eine weitere zufällige Zeitreise-Episode, „The 7th Is Made Up of Phantoms“, handelt von einer dreiköpfigen Nationalgarde-Einheit, die sich mitten in der Schlacht befindet von Bighorn während angeblich routinemäßiger Kriegsspiele. Bedauerlicherweise enthält die Prämisse keine thematische Auseinandersetzung damit, was es bedeutet, in der Hitze des Gefechts Soldat zu sein, und das Ende ist eher eine erwartete Eventualität als eine wirkungsvolle Wendung in der Handlung.

133. „The Passerby“ (Episode 3.04) Wer glaubt, M. Night Shyamalan habe sich das Konzept „Der tote Kerl weiß nicht, dass er tot ist“ ausgedacht, hat die unzähligen Episoden von The Twilight Zone mit der gleichen Wendung noch nicht gesehen. „The Passerby“ über eine Witwe der Konföderierten (Joanne Linville), die um den Tod ihres Mannes (Warren Kemerling) trauert und plötzlich von Soldaten beider Seiten besucht wird, ist sicherlich das Schlimmste davon. Es klingt wie ein Spoiler, die „Wendung“ hier zu enthüllen, aber diese von Serling verfasste Episode zeigt ihre Karten sowieso viel zu früh. Die letzte Botschaft darüber, dass „Bruder nicht gegen Bruder kämpfen sollten“, wird mit der Komplexität eines Aufsatzes für Erstklässler vermittelt.

132. „Probe 7 – Over and Out“ (Episode 5.09) „Probe 7 – Over and Out“ ist zunächst vielversprechend, wie eine leichtere Version des großartigen „Two“ über einen Mann und eine Frau, die in einer mysteriösen Situation gefangen sind. Eine apokalyptische Landschaft erleben und herausfinden, wie man miteinander kommuniziert. In diesem Fall landet ein Astronaut (Richard Baseheart) auf einem fremden Planeten und findet eine Frau (Antoinette Bower), in die er sich verlieben kann. Die Episode läuft gut, aber die letzte Wendung ist so ohrfeigend dumm, dass es schwierig ist, irgendetwas richtig zu machen.

131. „A Thing About Machines“ (Folge 2.04) „A Thing About Machines“ hätte eine stimmungsvolle Erkundung der Beziehung des Menschen zur modernen Technologie sein können. Unglücklicherweise verfolgt der Autor Serling eine eintönige Herangehensweise und fährt mit seiner Prämisse bis zur Ziellinie, ohne etwas Interessantes zu sagen. Der Protagonist (Richard Haydn), ein Feinkostkritiker, der Maschinen hasst, wird von den Maschinen angegriffen, die er hasst. Das ist alles für 25 Minuten.

130. „Valley of the Shadow“ (Episode 4.03) Die Prämisse von „Valley of the Shadow“ ist faszinierend: Ein Reporter (Ed Nelson) findet sich in einer mysteriösen Science-Fiction-Utopie wieder, muss dort aber für den Rest bleiben sein Leben, um es zu genießen. Der innere Konflikt darüber, sein ganzes Leben für ein besseres Leben aufzugeben, ist sicherlich eine existentielle Frage, die zu The Twilight Zone passt. Allerdings fordert die vierte Staffel mit diesem überlangen und überladenen Drehbuch ein weiteres Opfer, und das Ende löscht die Moral der gesamten Episode aus und macht das Erlebnis hinfällig.

129. „The Fugitive“ (Episode 3.25) „The Fugitive“, ein weiterer kinderfreundlicher Ausflug, handelt von einem kuscheligen Außerirdischen, der sich als noch kuscheligerer alter Mann (J. Pat O'Malley) verkleidet, um unter Menschen auf der Erde zu leben . Die Freundschaft zwischen dem Außerirdischen und einem Mädchen namens Jenny (Susan Gordon) ist süß genug, aber die Episode hat zwei große Nachteile: Die Entscheidung, die die Schergen des Außerirdischen am Ende treffen, ergibt keinen Sinn, und das Alien-Kostüm ist sogar lächerlich falsch nach den Maßstäben der 1960er Jahre.

128. „A Nice Place to Visit“ (Episode 1.28) Die Wendung in dieser One-Note-Episode ist reif für eine Parodie, da sie das Markenzeichen von The Twilight Zone ausnutzt: „Es ist das Gegenteil von dem, was Sie denken!“ Enthüllungen ohne einen Hauch von Selbstbewusstsein oder Ironie. Nicht, dass es langweilig wäre, wohlgemerkt: Die Geschichte eines Gauners (Larry Blyden), der von der Polizei angeschossen wird und sich in einem Leben nach dem Tod wiederfindet, wo er alles bekommt, was er will, hat einen ziemlich lockeren Ton. Dennoch lässt sich die Wendung vorhersehen, bevor die Episode beginnt, und die letzte Zeile – über die Wendung selbst – ist so nervig, dass sie die Episode fast ans Ende dieser Liste rückt.

127. „I Sing the Body Electric“ (Episode 3.35) Serlings Adaption von „Ray Bradbury“ sollte eine himmlische Kombination sein, aber stattdessen ist sie langweilig, leblos und alles andere als einprägsam. Bradburys Charakterstudie ist sehr einfach: Werden Kinder lernen, ihre Roboter-Großmutter (Josephine Hutchinson) genauso zu lieben wie die echte? Serling bringt es auf den Punkt, um zu zeigen, was für coole Robo-Omas alles können. Am Ende erhalten wir eine verschlafene, geradlinige Erzählung, der es an ausreichender Charakterentwicklung mangelt. (Dies ist einer der wenigen Einträge, die vom einstündigen Format der vierten Staffel hätten profitieren können.)

126. „Ein kurzer Drink aus einer bestimmten Quelle“ (Folge 5.11) Diese Folge über einen Millionär (Patrick O'Neal), der ein Anti-Aging-Serum nimmt und rückwärts altert, bis er ein Kleinkind ist, ist eine getreuere Adaption von F . Scott Fitzgeralds Kurzgeschichte „Der seltsame Fall des Benjamin Button“ als die Filmversion – auch wenn „A Short Drink From A Certain Fountain“ nicht offiziell auf Fitzgeralds Werk basiert. Die schlechte Nachricht ist, wie jeder, der die erstickend skurrile Kurzgeschichte gelesen hat, bestätigen kann, dass die Episode durch die Überfrachtung mit ihren Eigenheiten zunichte gemacht wird.

125. „Ein Penny für deine Gedanken“ (Folge 2.16) Wie Fans der Hit-Sitcom „Bewitched“ wissen, ist Dick York ein Schauspieler mit jeder Menge natürlichem Charme. Aus diesem Grund ist er in dieser Episode über einen moralisch bankrotten Opportunisten, der durch eine Münze, die auf der Seite liegt, die Fähigkeit zum Gedankenlesen erlangt, seltsamerweise falsch besetzt. (Ja, das ist der Katalysator für die Magie in dieser Episode.) Yorks Charakter nutzt seine Macht für zwielichtige Zwecke, zu denen auch direkte Erpressung gehört. Der Autor George Clayton Johnson hat Mühe, einen schlauen Reiz für die Figur zu finden, und scheitert schließlich daran, bis die Erzählung einfach im Sande verläuft.

124. „Der Geist und die Materie“ (Folge 2.27) Ein narzisstischer Misanthrop (Shelley Berman) nutzt seine neu entdeckten Kräfte der Meditation, um die anderen lästigen Menschen auf der Erde verschwinden zu lassen und sie durch Klone seiner selbst zu ersetzen. Berman ist in dieser Rolle komisch launisch, aber „The Mind and the Matter“ leidet unter einigen schlechten Spezialeffekten, wie zum Beispiel den falschen Masken, die den Statisten gegeben werden, damit es so aussieht, als ob Bermans Charakter die ganze Welt einnimmt. Es gibt hier eine Botschaft darüber, dass „kein Mensch eine Insel ist“, aber die Folge ist zu sehr mit cleveren Kameratricks beschäftigt, um zu zeigen, wie viele Berman-Klone in ein einziges Bild passen.

123. „Die Schuhe des toten Mannes“ (Episode 3.18) Hier gibt es eine aufschlussreiche Fabel über die zyklische Natur von „Auge um Auge“, aber das Drehbuch von Charles Beaumont erreicht nicht viel Tiefe. Die Geschichte eines Mannes (Warren Stevens), der von einem Gangster besessen ist, der immer wieder versucht, tödliche Rache an denen zu üben, die ihn getötet haben, stellt nur einen winzigen Teil dieser zyklischen Geschichte dar, und das ist auch schon alles, was wir bekommen.

122. „Die Wachablösung“ (Episode 3.37) Donald Pleasances Stammbaum als einer der emotionalsten Charakterdarsteller seiner Generation ist der einzige Lichtblick in diesem rührseligen Tränenfluss. Der Mann kann mit einem einfachen Blick die Emotionen eines Gesichtsausdrucks ausdrücken. Und das kommt hier voll zur Geltung, denn Pleasance spielt einen selbstmörderischen Lehrer, der eine angenehme Überraschung erlebt, die ihn dazu bringt, seine Lebenseinstellung zu ändern. Leider würde eine Hallmark-Karte das Drehbuch dieser Episode zu zuckersüß finden.

121. „No Time Like The Past“ (Episode 4.10) Diese Episode spielt sich so ab, als hätte Serling zwei völlig unterschiedliche 25-Minuten-Drehbücher genommen und sie zu einem kombiniert, als einen umständlichen Versuch in letzter Minute, einen weiteren Auftritt für die vierte Staffel zu erfinden. Die Geschichte beginnt mit einem mutigen Eintauchen in die Atomparanoia der Öffentlichkeit: Ein Mann (Dana Andrews), der genug von der ständigen Angst hat, beschließt, die Sache selbst in die Hand zu nehmen, indem er in die Vergangenheit reist und dafür sorgt, dass das Atomzeitalter nicht eintritt erster Platz. Aber diese Fabel über die Sinnlosigkeit des Versuchs, das Schicksal zu ändern, verwandelt sich auf halbem Weg plötzlich in einen Western, und sie erholt sich nie wieder.

120. „Die Selbstverbesserung von Salvadore Ross“ (Folge 5.16) Wenn ein schlechter Mensch die positiven Eigenschaften eines anderen kaufen kann, macht ihn das dann zu einem guten Menschen, oder ist das Gefühl künstlich? Das wäre eine interessante moralische Frage für diese Episode, in der es um einen unberechenbaren und selbstsüchtigen Mann (Don Gordon) geht, der Eigenschaften mit Menschen austauschen kann. Aber der Autor Jerry McNeely vergisst, danach zu fragen. Stattdessen bleibt das Drehbuch in einer Ironieschleife stecken, in der der Protagonist ständig von den Vereinbarungen, die er mit anderen abschließt, enttäuscht ist, bis wir zur cleveren, aber allzu plötzlichen letzten Wendung kommen.

119. „Ich bin die Nacht – Färbe mich schwarz“ (Folge 5.26) „Hass erzeugt Hass“ ist die einfache Botschaft in dieser Folge über eine Stadt voller Menschen, die sich verschwören, um einem Mörder (Terry Becker) die Todesstrafe zu verhängen, und das auch tun Für ihre Doppelzüngigkeit werden sie mit einer Nacht belohnt, die niemals endet. Serlings Drehbuch versucht, der Idee eines Lebens in der Dunkelheit eine buchstäbliche Wendung zu geben, was zu noch mehr Dunkelheit führt, aber sein predigender, direkter Dialog und das melodramatische Schauspiel sorgen für ein überwältigendes Erlebnis.

118. „The Hunt“ (Folge 3.19) Die ultimative Wendung in dieser gesunden Folge dürfte Hundeliebhaber glücklich machen. Aber der schmalzige Ton nervt, und die Art und Weise, wie Autor Earl Hamner Jr. ein Konzept, das einer zwei- oder dreiseitigen Kurzgeschichte würdig ist, auf 25 Minuten ausdehnt, führt zu einem etwas schleppenden Tempo. „The Hunt“ ist eine weitere familienfreundliche Episode, die gegen den Strich von The Twilight Zone geht. Sie handelt von einem liebenswerten Hinterwäldler (Arthur Hunnicut) und seinem treuen Hund, die nach und nach erkennen, dass die Leute sie weder sehen noch hören können. Was wirklich passiert, sollte leicht vorhersehbar sein.

117. „Hundred Yards Over The Rim“ (Episode 2.23) Cliff Robertson, alias Uncle Ben aus Sam Raimis Spider-Man, liefert eine herzliche Darbietung ab, die den einzigen Lichtblick in dieser rührseligen Zeitreise-Episode darstellt. Es geht um einen Mann (Robertson) aus dem 19. Jahrhundert, der sich in der Gegenwart (in diesem Fall den frühen 1960er Jahren) wiederfindet. Die Folge widmet zu viel Zeit dem Kulturschock des Mannes, der all diese verrückten modernen Erfindungen entdeckt, bevor es zum letzten Punkt der Folge kommt. Das Ende, in dem es um die Medizin geht, die im 20. Jahrhundert üblich ist, in der Vergangenheit aber revolutionär gewesen wäre, ist klug, wirft aber mehr Fragen auf, als sie beantwortet.

116. „The Last Rites of Jeff Myrtlebank“ (Episode 3.23) Diese Episode hätte dazu dienen können, den Zuschauern ihre eigene Meinung darüber zu bilden, ob wirklich ein übernatürliches Ereignis stattgefunden hat oder nicht. Leider macht die unnötige letzte Einstellung das Geheimnis zunichte. „Last Rites“ ist eine skurrile Geschichte über einen Mann (James Best), der von den Toten auferstanden zu sein scheint, sich dann aber so verändert, dass seine Lieben glauben, er sei von einem bösen Geist besessen. Hier gibt es eine Fabel darüber, wie Menschen ihre neu gewonnene Macht des absoluten Einflusses durch Angst missbrauchen können, aber trotz der Versuche eines witzigen schwarzen Humors ist die Umsetzung der Episode zu oberflächlich, um dies zu unterstützen.

115. „A Piano in the House“ (Folge 3.22) Wie die Episode „The Whole Truth“ der zweiten Staffel ist „A Piano in the House“ ein Vorläufer von Liar, Liar. Diesmal ist das Gerät, das die Menschen dazu zwingt, die Wahrheit zu sagen, ein magisches Klavier, das ein unerträglicher Theaterkritiker gekauft hat. Die Aura des zynischen Humors ist eine Wohltat, aber der Struktur der Episode – in der der Kritiker das Klavier benutzt, um seine Feinde zu demütigen – geht die Puste aus. Wer das ironische Finale von „The Twilight Zone“ kennt, in dem „der Jäger zum Gejagten wird“, dürfte keine Schwierigkeiten haben, das Schicksal des Kritikers vorherzusagen.

114. „The Fever“ (Episode 1.17) Eines muss man dieser albernen Episode zugestehen: Sie hat die Grenzen der „Killerobjekt“-Prämisse überschritten, Jahrzehnte bevor sie mit Begriffen wie „Killerauto“ und „Killerreifen“ in die Luft gedrängt wurde “ und „Killerbett“. Der Killer in diesem Spiel ist, warten Sie mal, ein Spielautomat! Im Mittelpunkt von Serlings Drehbuch steht ein geiziger Mann (Everett Sloane), der einem Spielautomaten nicht entkommen kann, nachdem ihn sein erstes Glücksspiel zum Gewinner gemacht hat. Die Folge versucht, etwas über die süchtig machende Natur des Glücksspiels auszusagen, aber der unbeabsichtigte Humor des Versuchs, einen verblendeten Spielautomaten unheimlich aussehen zu lassen, löscht den größten Teil seines moralischen Horrors aus.

113. „Der Dschungel“ (Episode 3.12) Dieses Drehbuch von Beaumont hat einige wirklich spannende Momente – wenn man es schafft, die abgedrehte B-Movie-Prämisse zu ignorieren. Es geht um einen Ingenieur (John Dehner), der von einem Projekt in Afrika zurückkommt und immer mehr Angst bekommt, weil er vermutet, dass ihm die Tierwelt aus dem Dschungel in die Großstadt gefolgt ist. Leider macht das schlockige Ende jede Intrige zunichte, die die Geschichte darüber aufbaut, ob der Ingenieur unter Wahnvorstellungen leidet oder unter einem übernatürlichen Fluch steht.

112. „Four O'Clock“ (Episode 3.29) „Four O'Clock“ läuft wie eine faule Twilight Zone-Fanfiction: Es nutzt jedes Muster aus, das die Serie bisher entwickelt hat, und führt es ohne viel Originalität oder Flair aus. Die Folge handelt von einem voreingenommenen Angeber (Theodore Bikel), der glaubt, dass die Menschen, die er hasst – also so ziemlich alle außer ihm – sich endlich als die kleinen Leute (Hinweis: kleine Leute) erweisen werden, die sie sind, wenn die Uhr vier schlägt. Ratet mal, wer sich stattdessen als „kleinlich“ herausgestellt hat? Da habe ich dir 25 Minuten gespart.

111. „Printer's Devil“ (Episode 4.09) Der größte Nachteil der vierten Staffel zeigt sich erneut in dieser überlangen Episode über das moralische Versagen der Medien, die das spätere Motto „Wenn es blutet, führt es“ ankündigt. Im Mittelpunkt steht der Herausgeber (Robert Sterling) einer scheiternden Zeitung, der einen Deal mit einem mysteriösen Mann namens Mr. Smith (Burgess Meredith) abschließt, um sein Geschäft am Leben zu halten. Mr. Smiths Linotype-Maschine scheint die Nachrichten sofort zu drucken. Oder vielleicht sorgt es dafür, dass die Nachricht wahr wird: Verursacht Smiths Maschine Katastrophen, um als Erster ans Licht zu kommen? Wie immer in „The Twilight Zone“ bringt Meredith seinen teuflischen Charme in die Rolle ein, doch die komplizierte Handlung einer so geradlinigen Prämisse beansprucht schon früh die Geduld des Zuschauers.

110. „On Thursday We Leave For Home“ (Episode 4.16) Diese düstere Auseinandersetzung mit der Korruption absoluter Macht erfreut sich absolut einer soliden Regie und einer moralisch komplexen und nachvollziehbaren Hauptdarbietung des Charakterdarstellers James Whitmore. Aber schon nach 20 Minuten erfahren wir den Schlüssel zur Geschichte und müssen uns dann 35 Minuten mit sich wiederholenden Füllmaterialien durchstehen, um zum enttäuschenden Finale zu gelangen. Es geht um den Anführer (Whitmore) einer Gruppe von Menschen, die auf einem verlassenen Planeten gefangen sind und nicht gerettet werden wollen, weil er an seiner Macht festhalten will. Serlings Drehbuch ist frei von Spannung, da die Untertanen des Anführers verständlicherweise von vornherein dagegen sind, auf dem Planeten zu bleiben. Da es keinen weiteren Weg gibt, läuft die Erzählung an derselben Stelle weiter.

109. „The Brain Center at Whipple's“ (Folge 5.33) Die Angst davor, dass die Automatisierung menschliche Arbeitsplätze übernimmt, ein Thema, das die Amerikaner beschäftigte, als die Fabriktechnologie immer ausgefeilter wurde, ist das zentrale Thema dieser Folge. Serlings Drehbuch handelt von einem Fabrikbesitzer (Richard Deacon), der einen Teil seiner Belegschaft entlässt und durch Maschinen ersetzt. Er ist selbstzufrieden mit der Entscheidung, bis seine Position natürlich von den Maschinen bedroht wird. Das Merkwürdige an dieser Episode ist, dass es außer dem leicht futuristischen Aussehen der Maschinen keine echten Science-Fiction-, Horror- oder übernatürlichen Elemente gibt. Das bringt mich dazu, mich zu fragen, warum es überhaupt als würdig für „The Twilight Zone“ angesehen wurde.

108. „Menschen sind überall gleich“ (Folge 1.25) Wenn es da draußen im Universum intelligentes Leben gibt, wäre es vielleicht das Beste, wenn diese Lebensformen nicht genau wie Menschen sind. Die Wendung der Episode ist ziemlich vorhersehbar, insbesondere wenn man Serlings Vorliebe für cleveres Wortspiel bedenkt. Die Titelzeile wird verwendet, um einen Astronauten (Roddy McDowell) zu beruhigen, der kurz vor dem ersten Kontakt mit einer außerirdischen Spezies steht und Angst davor hat, wie sehr sich die Außerirdischen von ihm unterscheiden könnten. Zu seiner Bestürzung stellt sich heraus, dass die Zeile wahr ist. Basierend auf einer sehr kurzen Geschichte aus dem Jahr 1952 hätte dies als 10-minütige Vignette funktioniert; Mit 25 ist es etwas zu träge.

107. „Cavender Is Coming“ (Episode 3.36) Fast sechs Jahrzehnte bevor geschlechtervertauschte Remakes zur Modeerscheinung wurden, tat Serling es mit „Cavender Is Coming“, einem ziemlich originalgetreuen (aber inoffiziellen) Remake von „Mr. Bevis.“ Genau wie in dieser Episode geht es auch in dieser um eine schlampige Figur (Carol Burnett), die von einem Engel (Jesse White) reich gemacht wird, nur um zu erkennen, dass ihre Integrität und die Unterstützung ihrer Freunde das sind, was wirklich zählt. Es leidet unter den gleichen Problemen wie „Mr. Bevis“, profitiert aber von Burnetts unauslöschlicher Anziehungskraft. Wenn Sie ein Fan der Carol Burnett Show sind und eine frühere, ähnliche Wendung von Burnett sehen möchten, schauen Sie sich das an. Aber erwarten Sie nicht viel mehr.

106. „Eine Art Stoppuhr“ (Episode 5.4) Wie ich bereits erwähnt habe, gingen Serling die frischen Ideen aus, als er zur fünften Staffel von „The Twilight Zone“ kam, was zur Wiederholung von Episoden führte, die zuvor funktionierten (mit geringfügigen Änderungen der Prämisse). Im Fall von „A Kind of Stopwatch“ kannibalisiert Serling das Ende seiner legendären Episode der ersten Staffel, „Time Enough at Last“, während er der früheren Version den Witz und die Laune entzieht. Es geht um einen Mann (Richard Erdman), der zufällig auf eine Stoppuhr stößt, die die Zeit anhält, und damit eine Bank ausraubt. Jeder, der „Time Enough at Last“ gesehen hat, kann sehen, wohin das führt, also schauen Sie sich das lieber zweimal an.

105. „You Drive“ (Episode 5.14) Die Idee eines Verbrechensbekämpfungsautos, das seine Ziele dazu manipuliert, ein Geständnis zu machen, anstatt sie zu überfahren, könnte zu einer großartigen Adult Swim-Serie führen, ist aber zu unbeabsichtigt albern (wenn auch nicht ungenießbar). Die Dämmerungszone. „You Drive“ handelt von einem Fahrer mit Fahrerflucht (Edward Andrews), der von seinem Auto heimgesucht wird, bis er überzeugt ist, sich der Musik zu stellen. Der Ton ist viel zu selbsternst für die Prämisse, während die Handlung zu ernst ist, um als Komödie zu wirken.

104. „Dust“ (Folge 2.12) Dem Vater (Vladimir Sokolov) eines Mannes (John Alonso), der gehängt werden soll, weil er versehentlich ein kleines Mädchen getötet hat, wird magischer Staub verkauft, der angeblich aus „konzentrierter Liebe“ durch ein Schlangenöl hergestellt wird Verkäufer (Thomas Gomez). Der Vater möchte den Staub auf den Stadtbewohnern nutzen, um ihre Meinung über die Erhängung in diesem Episoden-Western zu ändern. Oder so ähnlich: Die Moral der Fabel erweist sich als eher vage, und eine Reihe plötzlicher und untypischer Entscheidungen sowie ein Deus ex machina am Ende erschweren die Sache zusätzlich.

103. „The Trouble with Templeton“ (Folge 2.09)In „The Trouble with Templeton“ kann sich ein alter Schauspieler (Brian Aherne) nicht auf seine Arbeit konzentrieren, weil er in der Vergangenheit feststeckt. Bald findet er sich wieder in seinen glorreichen Tagen wieder, nur um zu erkennen, dass sie vielleicht nicht so glorreich waren, wie er dachte. Diese Episode profitiert von einem urigen Produktionsdesign und herzlichen Darbietungen, darunter einem Auftritt der jungen Sydney Pollack. Doch ein kurzer Rückblick auf die letzte Wendung des Drehbuchs macht deutlich, wie sie die Moral der Geschichte untergräbt und uns zurück zum Anfang führt.

102. „Young Man's Fancy“ (Folge 3.34) „Young Man's Fancy“ handelt von einem Mann (Alex Nicol), der sein Haus nicht verkaufen will, weil er seine Kindheitserinnerungen nicht loslassen kann, und deshalb gespenstische Nachrichten erhält aus dem Haus, die seine Argumentation unterstützen. Dieses charakterbasierte Drama mit leichten übernatürlichen Elementen beginnt ganz gut und konzentriert sich auf die Art und Weise, wie das Leben in der Vergangenheit selbstzerstörerisch sein kann. Unglücklicherweise schießt es sich irgendwann selbst ins Bein, mit einem Ende, das sowohl schmalzig ist als auch völlig im Widerspruch zu seiner Lektion steht.

101. „Der Spiegel“ (Folge 3.6) Nachdem ein lateinamerikanischer Diktator (Peter Falk) mit gewaltsamen Mitteln die Macht übernommen hat, erkennt er, wer ihn als Nächster in den Rücken fallen wird, dank eines magischen Spiegels, der ihm die Zukunft zeigt. Er entledigt sich der Verschwörer, doch selbst das gibt ihm kein Gefühl der Sicherheit. „The Twilight Zone“ ist voll von Episoden, die die Sinnlosigkeit von Macht durch Korruption anprangern, und diese Episode vermittelt diese Botschaft auf ziemlich klare Weise. Darüber hinaus ist es schmerzhaft zu sehen, wie der großartige Peter Falk mit einer unbehaglich kampflustigen Brownface-Darbietung alles richtig macht.

100. „The Parallel“ (Folge 4.11) Ich bin ein Fan von Twilight Zone-Folgen über Zeitparadoxien und Paralleluniversen, und diese Folge hat beides. Doch das Rätsel um einen Astronauten (Steve Forrest), der auf einer Parallelerde landet, die er nicht erkennt, wird schon recht früh gelöst. Damit bleiben uns 50 Minuten episodischer Erzählung, während der Astronaut bekannte Orte besucht, nur um herauszufinden, dass sie etwas anders sind. Dem Schauspiel mangelt es an Energie, und das Ende ist eher eine sich selbst erfüllende Prophezeiung als eine wirklich überraschende Wendung.

99. „Onkel Simon“ (Folge 5.08) Zwei bemerkenswerte Aspekte dieser ansonsten langweiligen und klanglich unbeholfenen Folge: Erstens wurde sie von Don Siegel inszeniert. Zweitens spielt Robby der Roboter die Hauptrolle. Das erste verleiht dieser eher alltäglichen, passiv-aggressiven Rachegeschichte eine gewisse visuelle Komplexität. Es geht um eine gemeine Frau (Constance Ford), die ihren gemeinen Onkel (Cedric Hardwicke) tötet, nur um dann gezwungen zu werden, sich um einen Roboter zu kümmern, der sich wie er verhält. Der zweite eliminiert einen Großteil des guten Willens des ersten, da die Einbeziehung des albernen Robby den vermeintlich unheimlichen Charakter der Geschichte beeinträchtigt.

98. „Third from the Sun“ (Episode 1.14) Dieser Thriller über einen Wissenschaftler (Fritz Weaver), der versucht, mit einem Space Shuttle aus seiner Welt zu fliehen, bevor alles durch einen nuklearen Holocaust in Stücke gerissen wird, spielt die Ängste des Publikums vor dem Kalten Krieg der 1960er Jahre wie eine Geige . Schade, dass Serling und in größerem Maße auch Richard Matheson – der die Kurzgeschichte geschrieben hat, auf der die Episode basiert – nicht anders können und eine Wendung einbauen, die die immer noch universelle Unmittelbarkeit der Themen untergräbt. Die Wendung ist nicht nur unnötig, sondern auch billig und sofort vorhersehbar, insbesondere wenn man sich den Titel noch einmal ansieht.

97. „Back There“ (Folge 2.13) Dieses Zeitreise-Drehbuch geht von einer faszinierenden Prämisse aus: Was wäre, wenn Lincolns Ermordung gestoppt werden könnte? Es geht um einen Mann (Russell Johnson), der mit seinen Freunden über Zeitreisen spricht und zufällig in die Zeit kurz vor diesem Abend im Ford's Theatre zurückgeschickt wird. Wird es ihm gelingen, den Präsidenten rechtzeitig zu retten und den Lauf der Geschichte zu ändern? Die Episode enthält einige fesselnde Spannung, aber das Ende weicht von der eigentlichen Handlung ab und vermittelt gemischte Aussagen über die Bedeutung der Geschichte.

96. „Showdown mit Rance McGrew“ (Folge 3.20) Dies ist eine augenzwinkernde Folge darüber, wie Schauspieler, die Helden darstellen, weit von dem entfernt sind, was sie auf der Leinwand zu sein scheinen. Darin geht es um einen Primadonna-Schauspieler (Larry Blyden), der sich während der Dreharbeiten zu einem Western plötzlich in einer echten Wild-West-Stadt wiederfindet. Blyden ist amüsant, weil er sofort sein Ego verliert und um sein Leben bettelt, wenn er mit echten Bösewichten konfrontiert wird, und die Geschichte zeichnet sich durch ihren selbstbewussten Humor aus. Allerdings hinterlässt die verwirrende Wendung, die ganz am Ende aus dem Nichts kommt, einen sauren Beigeschmack.

95. „Neunzig Jahre ohne Schlummer“ (Episode 5.12) Richard deRoys Drehbuch basiert auf einer unveröffentlichten Kurzgeschichte des Twilight Zone-Stammgastes Johnson und erforscht unsere Angst vor dem Tod. Es geht um einen alten Mann (Ed Wynn), der davon überzeugt ist, dass er sterben wird, sobald seine Uhr angehalten wird, und deshalb große Anstrengungen unternimmt, um sie am Laufen zu halten. Das Ende schafft einen beeindruckenden Genrewechsel, aber die Struktur ist zu verstreut, bis wir dort ankommen. Es hilft auch nicht, dass zwischen der ersten Minute und den letzten Momenten nicht viel passiert.

94. „Ring-A-Ding Girl“ (Folge 5.13) Die Twilight Zone ist voller inspirierender Geschichten über Menschen, die sich für das Wohl der Allgemeinheit opfern. Diese Episode gerät ins Stocken, weil die Heldentaten, die darin dargestellt werden, keine große Entscheidung des Protagonisten widerspiegeln. Die Geschichte eines Filmstars (Maggie McNamara), die Vorahnungen bekommt, dass ihre Heimatstadt abbrennen wird, was sie dazu zwingt, einige schwierige Entscheidungen zu treffen, endet genau so, wie man es erwarten würde. Es ist die zusätzliche Wendung nach dem Höhepunkt, die diesen Film moralisch etwas fragwürdig macht.

93. „Execution“ (Episode 1.26) Ein Krimineller namens Caswell (Albert Salmi), der 1880 gehängt werden soll, findet sich dank eines Wissenschaftlers (Russell Johnson) mit einer Zeitmaschine, die zufällig Menschen aufsammelt, in der Gegenwart der Serie wieder. Diese von Serling verfasste Episode beginnt vielversprechend, doch dann scheint Serling nicht in der Lage zu sein, herauszufinden, wohin die Geschichte von diesem Punkt an führen soll. Also wirft er eine Reihe von Handlungspunkten auf, die sich zufällig anfühlen, bis wir zum enttäuschenden Zeitschleifen-Finale kommen.

92. „The Thirty-Fathom Grave“ (Episode 4.2) In dieser Episode geht es um eine Gruppe von Soldaten, die auf ein U-Boot stoßen, das im Zweiten Weltkrieg versenkt wurde, nur um als Belohnung dafür, dass die Geisterbesatzungsmitglieder des U-Boots sie heimsuchen. Der Ton ist angemessen gruselig und das Thema der Kriegsschuld tragenden Soldaten wird mit Bedacht behandelt. Aber die vierte Staffel schlägt erneut zu und die überlange Episode folgt der gleichen Abfolge von Ereignissen – Geister erscheinen und verschwinden, und niemand glaubt, dass sie existieren, bis er etwas sieht, das sie zurückgelassen haben – bis sie zu Ende geht.

91. „The Prime Mover“ (Episode 2.21) In dieser Fabel über die zerstörerische Natur der Gier und die Wichtigkeit, aufzugeben, solange man die Nase vorn hat, handelt es sich um einen Spieler (Dane Clark), der herausfindet, dass sein Kumpel (Buddy Ebsen) über telekinetische Kräfte verfügt, und beschließt, dies zu tun Nutzen Sie sie, um in Vegas große Gewinne zu erzielen. Er verliert natürlich die Kontrolle und will immer mehr. Abgesehen davon, dass die Episode verworren ist, wird auch der letzte moralische Wechsel über den telekinetischen Mann niemanden überraschen.

90. „The Arrival“ (Episode 3.2) Das Drehbuch beginnt ziemlich faszinierend: Ein Flugzeug landet ohne Passagiere oder Fracht. Darüber hinaus sehen die Beamten, die das Flugzeug untersuchen, jeweils unterschiedliche Sitze und Seriennummern. Wenn nur das Rätsel ungelöst bliebe, denn es ist um einiges interessanter als die unterentwickelte Enthüllung. Dies ist eine Episode, bei der die Qualität des Aufbaus der Episode zuwiderläuft, da sie das Ende umso enttäuschender macht.

89. „One More Pallbearer“ (Episode 3.17) Einige Twilight Zone-Episoden beginnen mit Science-Fiction- oder Fantasy-Elementen, nur um dann zu enthüllen, dass diese Elemente tatsächlich psychologischer Natur sind. Dann gibt es Episoden wie „One More Pallbearer“, die deutlich machen, dass es sich von Anfang an in erster Linie um eine psychologische Geschichte handelt. Es ist die Geschichte eines Mannes (Joseph Wiseman), der diejenigen, die ihm Unrecht getan haben, um Entschuldigung bittet, wenn sie seinen Weltuntergangsbunker am Rande der nuklearen Vernichtung betreten sollen. Die Entscheidung, die seine Gäste am Ende treffen, dient zu sehr der Zweckmäßigkeit der Handlung, aber die letzte Einstellung ist eindringlich genug, um die Episode (fast) zu retten.

88. „The New Exhibit“ (Episode 4.13) Die Prämisse dieser Episode handelt von einem Mann (Martin Balsam), der Wachsfiguren der berühmtesten Serienmörder der Geschichte aufbewahrt, nur damit die Figuren zum Leben erwachen und wieder zu töten beginnen entweder als sehr kurze Geschichte funktionieren oder zu einem Horrorfilm erweitert werden. Da es sich um eine 50-minütige Episode handelt, dauert es lange, bis sie in Gang kommt, und endet dann abrupt, als es gerade anfing, interessant zu werden. Balsam, ein legendärer Charakterdarsteller, liefert eine gruselige Leistung ab, die für den uneinheitlichen Stoff zu gut ist.

87. „The Escape Clause“ (Episode 1.06) Die Idee eines Hypochonders (David Wayne), der einen Deal mit dem Teufel (Thomas Gomez) eingeht, ist reif für die Erkundung der Banalität eines Lebens ohne Risiken und Konsequenzen. Doch die Episode schafft es nicht, einen Ton zwischen morbidem Humor und tragischem Drama zu finden. Um in das 25-Minuten-Format zu passen, ist Serling gezwungen, den Charakterverlauf seines Protagonisten zu beschleunigen und ihn seines endlosen Lebens zu schnell müde zu machen, was zu einer Empathielücke beim Publikum führt.

86. „In His Image“ (Episode 4.01) Dies ist eine weitere Episode der vierten Staffel, in der es sich anfühlt, als wären zwei halbstündige Drehbücher umständlich zusammengeführt worden. Es beginnt als ein existenzieller Albtraum der Art, den The Twilight Zone so gut verwebt, als ein Mann (George Grizzard) mit mörderischen Instinkten versucht, seine Vergangenheit aufzudecken. Allmählich wird es zu einer direkten Untersuchung der künstlichen Intelligenz im Vergleich zur menschlichen Seele. Der Aufbau ist unterhaltsam und Autor Beaumont hält das Geheimnis am Leben. Aber ein kurzer Blick nach dem Ende der Episode deckt viele offensichtliche Handlungslücken auf.

85. „Mute“ (Episode 4.05) Sowohl in audiovisueller als auch in literarischer Form war Matheson ein Meister darin, Science-Fiction- oder Fantasy-Ideen zu nutzen, um charakterorientierte Geschichten über die menschliche Natur zu erzählen. „Mute“ ist da keine Ausnahme, hätte aber von einer etwas kürzeren Laufzeit und einem gleichmäßigeren Tempo profitieren können. Die Geschichte eines stummen Mädchens mit telekinetischen Kräften (Ann Jillian), das versucht, unter normalen Menschen zu leben, untersucht geschickt, wie Vorurteile gegenüber denen, die anders sind als wir, schrittweise überwunden werden können. Jillian ist für eine Kinderschauspielerin eine beeindruckende Erscheinung und das Ende ist herzerwärmend, aber es braucht viel Füllmaterial, um dorthin zu gelangen.

84. „Herr. „Denton on Doomsday“ (Folge 1.03) Diese Westernfabel über einen betrunkenen Revolverhelden (Dan Duryea), der durch Magie, die ihm von einem mysteriösen Verkäufer (Malcolm Atterbury) verliehen wurde, der in die Stadt wandert, zu einem Crack-Shot wird, vermittelt ohne viel Aufsehen seinen rudimentären Kern: Don' Lassen Sie nicht zu, dass Ihnen unverdiente Macht zu Kopf steigt, denn sie kann leicht weggenommen und an jemand anderen weitergegeben werden. Der Name des mysteriösen Mannes ist Fate, was den Grad der Subtilität in dieser okayen, aber letztlich unvergesslichen Episode verdeutlicht.

83. „What You Need“ (Episode 1.12) Erinnern Sie sich an die spannende Sequenz in „Minority Report“, in der das Präzahnrad Sekunden vor ihm genau vorhersagen konnte, was Tom Cruises Charakter brauchte, um der Polizei auszuweichen? Diese Episode ist der Vorläufer und zeigt einen Verkäufer (Steve Cochran), der vorhersagen kann, was die Leute brauchen werden, bevor sie es brauchen. Er verkauft einem seiner Kunden (Ernest Truex) die Schere, mit der er letztendlich sein Leben rettet. Doch dann möchte der Kunde mehr Vorhersagen und droht dem Verkäufer damit, so dass er gezwungen wird, eine Lösung zu finden. Die Prämisse ist einfallsreich, aber die Umsetzung des Endes ist etwas zu einfach.

82. „Elegy“ (Episode 1.20) Dies ist eine weitere Episode, in der das Geheimnis so faszinierend ist, dass die lange, trockene Darstellung des dritten Akts – die jeden Aspekt dessen abdeckt, was wirklich passiert ist – eine ernsthafte Enttäuschung darstellt. Es geht um ein Team von Astronauten, das auf einem Planeten landet, auf dem alle wie erstarrt sind. Die Erklärung ist nett und die morbide Wendung ist ordentliches Twilight Zone-Futter, aber sie passen immer noch nicht zu der eindringlichen Gruseligkeit des Aufbaus.

81. „Eine Welt für sich“ (Folge 1.36) Die letzte Folge der ersten Staffel wirkt wie eine ironische Abschlussparty für den hektischen Zeitplan der Produktion. Es handelt sich um eine locker strukturierte, meta-narrative Komödie über einen Schriftsteller (Keenan Wynn), der allein durch sein Schreiben Menschen und Dinge zum Leben erwecken kann. Das Drehbuch läuft wie eine Sketch-Show ab, bei der der Autor heiße Blondinen und sogar einen Elefanten in sein Büro bringt, was seine Frau (Phyllis Kirk) verblüfft. Es macht Spaß und ist leicht, aber mehr auch nicht.

80. „He's Alive“ (Folge 4.04) Leider ist diese Episode über einen Neonazi (Dennis Hopper), der von einer mysteriösen Geistergestalt den Stechbefehl erhält, um seine Operation auszuweiten, auch heute noch aktuell. Dies ist eine Episode der vierten Staffel, die im 50-Minuten-Format funktioniert, da es sich eher um eine Charakterstudie als um eine konzeptionelle Handlung handelt. Hopper bringt seine charakteristische Intensität in die Rolle ein, was ihn gleichermaßen fesselnd und etwas zu übertrieben macht. Die „überraschende“ Identität der Geisterfigur, die ihn schließlich kontrolliert? Brauchen Sie überhaupt eine zweite Vermutung?

79. „Praise of Pip“ (Episode 5.01) Jack Klugman war einer dieser unschätzbar wertvollen Charakterdarsteller, die große Trauer und Bedauern durch einen einfachen Blick ausdrücken konnten. Daher ist er die perfekte Wahl für den Protagonisten der Episode, einen unauffälligen Buchmacher, der herausfindet, dass sein Sohn (Billy Mumy) in Vietnam lebensgefährlich verletzt wurde, und beschließt, direkt weiterzumachen. Die Prämisse und die Schauspielerei sind erstklassig in „Twilight Zone“, aber Serling treibt den Schmalz am Ende zu hoch und untergräbt die moralische Komplexität der Episode. Das Drehbuch ist bemerkenswert, weil es sich auf den Vietnam-Konflikt bezieht, bevor die Tonkin-Golf-Resolution das Engagement der USA in einen umfassenden Krieg verwandelte.

78. „The Jeopardy Room“ (Episode 5.29) Dies ist ein packender Thriller in Form eines gut strukturierten Kammerdramas, angeführt von einer intensiven Darbietung des großartigen Martin Landau. Also, was ist das Problem? Am auffälligsten ist, dass das Drehbuch offenbar aus einem Spionagedrama übernommen wurde. Klar, es ist spannend, aber es erinnert eher an einen Politthriller aus dem Kalten Krieg als an eine Episode von „Twilight Zone“. Es geht um Landaus Überläufer aus dem kommunistischen Block, der versucht, eine in seinem Zimmer platzierte Bombe zu finden. Das Finale ist ein großer Fehlschlag, da es das Publikum dazu auffordert, zu akzeptieren, dass sich der schlaue Antagonist (John van Dreelen) plötzlich in einen Idioten verwandelt hat.

77. „Nick of Time“ (Episode 2.07)William Shatner hat sich in dieser Episode als Jedermann, der sich einer unheimlich korrekten Wahrsagemaschine unterwirft, seine Twilight Zone-Erfahrung erarbeitet. Während ihm das Gerät immer wieder die richtigen Entscheidungen für sein Leben liefert, wird ihm klar, dass er keine eigenen Entscheidungen treffen kann, was seine Frau (Patricia Breslin) in Sorge versetzt. Matheson, der die Episode geschrieben hat, ist normalerweise ein Meister, wenn es um konzeptionelle Prämissen mit cleveren Enden geht, aber er scheint nicht herauszufinden, wie er diese Episode auf konzeptionell zufriedenstellende Weise beenden kann. Irgendwann verpufft es.

76. „The Little People“ (Episode 3.28) Zu diesem Zeitpunkt sollten Sie mit der auf Ironie basierenden Fabelformel von The Twilight Zone vertraut sein: Was ein moralisch zweifelhafter Charakter am häufigsten ausnutzt, passiert ihnen selbst. Einige dieser Drehbücher finden einen Weg, ihre cleveren Ideen in Charakterstudien zu erweitern, die zum halbstündigen Format passen; Einige funktionieren möglicherweise besser als zwei- oder dreiseitige Kurzgeschichten. Dieser gehört in die letztere Kategorie. Die Geschichte eines Astronautenpaares (Joe Maross und Claude Akins), das eine winzige Gemeinschaft von Außerirdischen findet, die ihnen einen Messias-Komplex verleihen, ist eine lustige Kritik am Machthunger des Menschen, aber die Wendung ist zu simpel und vorhersehbar, als dass die Episode wirklich überzeugend wäre unvergesslich.

75. „Die letzte Nacht eines Jockeys“ (Folge 5.05) Der legendäre Mickey Rooney haut es in dieser als Twilight Zone-Folge getarnten Ein-Mann-Show in einem Akt um Längen. Er hebt sicherlich das einfache Material über einen Jockey (Rooney) am Ende seiner Karriere hervor, der groß werden möchte. Dennoch ist das ironische Ende viel zu leicht zu erraten: Sehen Sie sich diesen Film wegen der Aufführung an, nicht wegen des Drehbuchs.

74. „The Fear“ (Episode 5.35) „The Fear“, eine weitere Episode der fünften Staffel, in der Serling anscheinend keine neuen Ideen mehr hat, handelt von einer scheuen Frau (Hazel Court) und einem Staatspolizisten (Mark Richman), die von mysteriösen Außerirdischen terrorisiert werden – ähnelt einer unglaublich spannenden und bekannten Episode der zweiten Staffel mit dem Titel „The Invaders“. „The Fear“ ist fast das Gegenteil der früheren Folge, in der es vor allem um visuelle Schrecken ging, und ist durch zu viel Darstellung ins Stocken geraten. Allerdings ist das tonverändernde Ende voller urigem Humor.

73. „Passage on the Lady Anne“ (Episode 4.17) Dieses melodramatische Drehbuch der vierten Staffel funktioniert hauptsächlich, weil es sich auf die Charakterentwicklung und nicht auf das Konzept konzentriert. Es geht um ein Paar (Lee Philips und Joyce Van Patten), dessen Ehe ins Wanken gerät und als letzten Versuch, ihre Beziehung wiederzubeleben, ein Kreuzfahrtschiff voller Siebzigjährige betritt. Die fantastische Wahrheit hinter dem Schiff scheint vollgepackt zu sein, um einem ansonsten unkomplizierten romantischen Drama eine Twilight Zone-Note zu verleihen. Aber die Aufmerksamkeit für die Handlungsstränge der Protagonisten und die leidenschaftlichen Darbietungen von Philips und Van Patten retten fast den Tag.

72. „Wir vier sterben“ (Episode 1.13) Man könnte sich diese formverändernde Episode als einmaliges Comic-Problem im X-Men-Universum vorstellen. Es geht um einen Mann (Harry Townes), der sich auf magische Weise in jede Person verwandeln kann, mit der er in Kontakt kommt, und seine Kräfte auf zwielichtige Weise einsetzt. Natürlich holen ihn seine bösen Taten schließlich ein, da es sich hier um die Twilight Zone handelt. Die Struktur ist etwas zu fragmentiert, der Gestaltwandler springt von einem nicht verwandten Spielereien zum nächsten, aber der breiige Ton fesselt den Betrachter.

71. „King Nine Will Not Return“ (Folge 2.01) Dies ist eine dieser psychologisch schweren Episoden über die selbstzerstörerische Kraft der Schuld und sicherlich ein anständiger Einstieg in eine Serie, die überraschend viele davon hat. Die Geschichte eines Kapitäns (Bob Cummings), der nach dem Absturz seines Flugzeugs nach seiner Crew sucht, nimmt zur Hälfte eine unerwartete Wendung. Cummings ist erschüttert, aber gemessen an der Rolle, und die Episode genießt ein solides Tempo. Dies ist jedoch eine dieser Geschichten, die besser hätte funktionieren können, wenn sie vollständig im psychologischen Bereich geblieben wäre, da eine Enthüllung ganz am Ende die Episode etwas ungewollt albern macht.

70. „And When The Sky Was Opened“ (Episode 1.11) Wer unter Angst vor der Wankelmütigkeit der Existenz leidet, sollte diese intensive Episode vielleicht überspringen. Es geht um eine Gruppe von Astronauten, die nach einer Mission zur Erde zurückkehren, nur um herauszufinden, dass niemand eine Erinnerung daran hat, dass sie überhaupt existiert haben. Dies ist eine dieser soliden, aber recht zielstrebigen, von Serling geschriebenen Episoden, die mit einem Ton unerklärlicher Unruhe beginnen und dann die Spannung steigern. Anstatt sich auf einen einfachen Schock einzulassen, begnügt sich Serling schließlich mit einer verinnerlichten Wertschätzung für das Geschenk des Lebens.

69. „Ich habe einen Pfeil in die Luft geschossen“ (Folge 1.15) Die Wendung in dieser Folge ist so genial, dass Serling sofort die Rechte an der Idee kaufte, als Madelon Champion sie ihm auf einer Party vorstellte. (Wer Serlings Verachtung für unaufgeforderte Ideen kennt, weiß, wie selten das war: Es ist nie wieder passiert.) Das Problem mit „I Shot an Arrow into the Air“ über Astronauten, die auf einem verlassenen Asteroiden gestrandet sind, besteht nicht die Wendung – es geht nur um die Wendung. Zwanzig Minuten Füllmaterial, in dem die Astronauten diskutieren, wo sie gelandet sein könnten, geben dem Publikum zu viel Zeit, sich über das Ende Gedanken zu machen. Mit einem Killer-Thema im Mittelpunkt und einigen Variationen in der Charakterentwicklung hätte dies einer der ganz Großen werden können.

68. „A Stop at Willoughby“ (Episode 1.30) Wie Sie vielleicht inzwischen herausgefunden haben, hat Rod Serling viele Episoden geschrieben, in denen erwachsene Männer im Stress ihrer Arbeit auf der Suche nach einer Ruhepause in der Nostalgie sind. Aber „A Stop at Willoughby“ warnt vor den Gefahren eines Lebens in der Vergangenheit und zeigt James Daly als einen Mann, der sein Leben so sehr hasst, dass er eine Fantasiestadt aus dem 19. Jahrhundert ins Leben rufen will. Natürlich ist das, was wirklich passiert, nicht annähernd so angenehm, und der Höhepunkt bietet die Art von Dunkelheit, die wir von „The Twilight Zone“ vom Feinsten erwarten, auch wenn das Wortspiel im Finale etwas zu schüchtern ist.

67. „The Rip Van Winkle Caper“ (Episode 2.24) Diese Kapriole über eine Räubergruppe, die Gold im Wert von mehreren Millionen Dollar stiehlt und sich dann in einen suspendierten Zustand versetzt, um mit ihren Verbrechen davonzukommen, hat ein grandioses Twist-Ende der schwarze Humor auf dick. Leider ist das Tempo vor diesem Punkt etwas zu träge, und Serling verbringt mehr als genug Zeit mit dem Streit der Räuber – was sich für die Erzählung der Episode als unwichtig herausstellt. Doch fast alles ist vergeben, sobald wir den Höhepunkt erreicht haben.

66. „From Agnes – With Love“ (Episode 5.20) Wer die klassische Futurama-Episode kennt, in der sich der Computer des Planet-Express-Schiffs in Bender verliebt und ihn verfolgt, dürfte an dieser augenzwinkernden KI-Romanze viel Gefallen finden . Ein Ingenieur (Wally Cox) wird mit der Wartung eines Computers namens Agnes beauftragt, die sich nach und nach in ihn verliebt. Ungefähr 10 Minuten nach Beginn der Episode ist es leicht zu erkennen, wohin das Ganze führt, aber der Spaß liegt im leichten Toben, nicht im Ziel.

65. „Nervöser Mann in einem Vier-Dollar-Zimmer“ (Episode 2.03) In dieser Episode, die mehr oder weniger auf einen Mann und einen Schauplatz beschränkt ist, wird die Frage gestellt, ob die Magie im Kopf des Protagonisten steckt oder ob die ganze Zeit über ein tatsächliches Fantasy-Element vorhanden ist. Der Spaß für den Zuschauer besteht darin, dass Sie wahrscheinlich Recht haben, egal auf welcher Seite Sie landen. Joe Mantell gibt eine nervöse Darstellung eines Mannes ab, der gezwungen ist, einen Mord zu begehen, von dem er weiß, dass er dafür gefasst werden wird. Um sich aufzumuntern, erschafft er im Spiegel eine selbstbewusstere Persönlichkeit. Ist das Spiegelbild real oder entsteht es in seinem Kopf?

64. „Death Ship“ (Episode 4.06) Was diese Episode der vierten Staffel von ihren Gegenstücken abhebt, ist, dass beide Hälften des diffusen Drehbuchs dennoch zufriedenstellende Geheimnisse bieten. In der ersten Hälfte geht es um die Besatzung eines Raumschiffs, die über ein Duplikat ihres Raumschiffs stolpert, in dem alle Doppelgänger tot sind. Dies führt zur zweiten Hälfte, einem fesselnden Zeitschleifen-Paradoxon mit einem starken Abschluss. Beide haben unterschiedliche Töne und Erzählstrukturen, sodass die Episode als Ganzes immer noch ein wenig gezwungen wirkt, sich in die Form der vierten Staffel einzufügen. Aber es ist trotzdem eine aufregende Fahrt.

63. „Static“ (Folge 2.20) Diese süße, tränenerregende Folge aus Beaumont, basierend auf einer Kurzgeschichte von OCee Rich, ist eine respektvolle Hommage daran, wie sehr das Radio das Leben im frühen 20. Jahrhundert geprägt hat. Es geht um einen streitsüchtigen alten Mann (Dean Jagger), der durch ein Radio, das aus der Vergangenheit sendet, einen Funken Glück findet. Die Folge findet eine schöne Balance zwischen dem Hinweis auf die Gefahren eines Lebens in Nostalgie und der gelegentlichen Verschnaufpause.

62. „Spur of the Moment“ (Folge 5.21) Wir alle haben Momente des Bedauerns, in denen wir sicher sind, dass Entscheidungen, die wir nicht getroffen haben, die richtigen gewesen wären. Diese Episode, die als normales Melodram beginnt und in einer bitter getönten Zeitschleife endet, legt nahe, dass diese Entscheidungen vielleicht nicht das sind, was wir dachten. Es geht um eine junge Frau (Diana Hyland), die gezwungen ist, jemanden zu heiraten, den sie nicht liebt, und der eine finstere Gestalt auf einem Pferd folgt. Im dritten Akt lässt sich die Identität der Figur leicht erraten, aber das ist auch Teil der thematischen Bedeutung der Episode.

61. „Herr. „Garrity and the Graves“ (Episode 5.32) Diese Episode, in der es darum geht, wie eine gewalttätige Vergangenheit zu einem Leben voller Schuldgefühle und Paranoia führt, hat ein so köstlich ironisches Ende, dass ich meine Beschreibung fast dabei belassen möchte. Leider macht es auch den Fehler, eine zusätzliche Wendung einzubauen, die die Themen des Drehbuchs fast untergräbt. "Herr. „Garrity“ folgt einem Mann (John Dehner), der verspricht, die Toten der Stadt wiederzubeleben. Aber wollen die Stadtbewohner, die möglicherweise zu den Todesfällen beigetragen haben, wirklich, dass das passiert? Ignorieren Sie einfach die letzten 45 Sekunden oder so, und der Höhepunkt bleibt ein leckeres Stück Karma.

60. „The Last Flight“ (Episode 1.18) Eine momentane Entscheidung zwischen Feigheit und Tapferkeit kann im Laufe der Zeit enorme Auswirkungen haben, und der Pilot des Ersten Weltkriegs, Decker (Kenneth Haigh), ist einer der Glücklichen, die nicht nur die direkten Ergebnisse sehen können seiner Handlungen, bekommt aber die Chance, sie zu korrigieren. Nachdem er seinen Freund verlassen hat, um seine eigene Haut zu retten, landet Decker in einer Zukunft, in der der Freund lebt und obendrein ein Kriegsheld ist. Der Autor Matheson hält das Geheimnis über die ursprüngliche Prämisse hinaus am Leben, indem er eine Fabel über die Selbstaufopferung für das Wohl der Allgemeinheit enträtselt.

59. „The Encounter“ (Episode 5.31) Diese Episode spielt fast ausschließlich an einem tristen Ort: einem leeren, staubigen Dachboden. Es geht hauptsächlich darum, dass zwei Charaktere miteinander streiten, aber Martin M. Goldsmiths fesselndes und moralisch komplexes Drehbuch und die intensiven Darbietungen der beiden Hauptdarsteller fesseln uns an der Leinwand. Neville Brand spielt einen rassistischen Veteranen des Zweiten Weltkriegs, der versucht, George Takeis Japanisch-Amerikaner mit einem Schwert einzuschüchtern, das er angeblich im Kampf gefunden hat. Das Schwert verfügt angeblich über magische Kräfte, die die Männer dazu zwingen, unangenehme Informationen über ihre Vergangenheit preiszugeben. Am Ende kommt niemand unversehrt davon und wir werden wieder einmal daran erinnert, dass der Krieg aus uns allen Monster macht.

58. „The Purple Testament“ (Episode 1.19) Nachdem man die Prämisse von „The Purple Testament“ gelesen hat – ein Leutnant aus dem Zweiten Weltkrieg (William Reynolds) kann ein helles Licht auf den Gesichtern der Männer sehen, die bald sterben werden – ist es einfach Sagen Sie die letzte Wendung voraus. Der Grund dafür, dass die Episode so gut funktioniert, liegt darin, dass Serling den Schwerpunkt eher auf die Themen der Geschichte als auf ihre Handlungsmanöver legt. Jeder Befehlshaber im Krieg ist mit dem Wissen belastet, dass seine Soldaten es möglicherweise nicht lebend zurück schaffen; Serling geht nur noch einen Schritt weiter, indem er seinem Protagonisten mitteilt, welche konkreten Männer im Kampf sterben werden, und untersucht geschickt, wie ein Soldat mit diesem moralischen Gewicht leben und trotzdem einen kühlen Kopf bewahren kann.

57. „Night Call“ (Episode 5.19) „Night Call“ hätte mit seiner gruseligen Lagerfeuermärchen-Prämisse und seiner grausam ironischen Schlusszeile eine großartige „Tales From The Crypt“-Folge abgegeben. Mathesons Drehbuch ist sehr fokussiert und lässt kaum Zeit für Abweichungen von der zentralen Handlung. Es geht um eine ältere Witwe (Gladys Cooper), die immer wieder gruselige Anrufe von einer mysteriösen Person erhält, die möglicherweise ein Geist ist oder auch nicht. Das Geniale am Finale liegt in der Art und Weise, wie Matheson eine herzerwärmende Lösung vorschlägt, nur um uns dann in letzter Sekunde den Boden unter den Füßen wegzuziehen.

56. „Wo sind alle?“ (Episode 1.01) In der Pilotfolge von The Twilight Zone wacht ein Mann (Earl Holliman) in einer Stadt ohne Menschen auf und versucht herauszufinden, wohin sie gegangen sind und warum er der einzige ist, der noch übrig ist. Es ist eine entsprechend einfache Möglichkeit, die ikonische Serie zu starten: eine Vorspeise, die auf die kommenden, reichhaltigeren und sättigenderen Mahlzeiten hinweist. Die Wendung ist veraltet, hat aber einen gewissen Charme.

55. „One For The Angels“ (Episode 1.02) In „The Twilight Zone“ ist es nie zu spät für Erlösung, und Ed Wynns charismatischer Stricher lernt diese Lektion, als der Tod (Murray Hamilton) buchstäblich an seine Tür klopft. Zunächst hält der Stricher den Tod mit seinen üblichen Verkäufertricks hin, doch Serling ändert geduldig den Ton, indem er die Möglichkeit einer letzten selbstlosen Tat in Aussicht stellt. Wynns Feuerwerksfigur bildet mit Hamiltons heterosexuellem Tod ein nettes Comedy-Duo. Eine der seltenen echten Wohlfühlepisoden der Serie, die es mit Schnulzen schafft.

54. „Walking Distance“ (Episode 1.05) „Walking Distance“ ist eine weitere Episode, die sich nach der Sicherheit und Einfachheit des ländlichen Amerikas sehnt und von einer wehmütigen Hauptdarbietung und Serlings unironischer Nostalgie angetrieben wird. Es geht um einen Werbefachmann (Gig Young), der von der modernen Welt desillusioniert ist und eine Zeitreise in die Heimatstadt seiner Kindheit unternimmt. Mit seiner letzten Wendung, die in ihrer zurückhaltenden Wirkung liebenswürdig ist, unterstreicht Serling, wie wichtig es ist, die Vergangenheit hinter sich zu lassen und der Realität mit Anmut zu begegnen.

53. „The Sixteen-Millimeter Shrine“ (Episode 1.04) Serlings bezaubernder Liebesbrief an das alte Hollywood wirkt wie eine erhebende Kehrseite des Sunset Boulevard. Es fühlt sich nicht nur in seine Platzhalterin Norma Desmond hinein, einen exzentrischen Ex-Filmstar, der von Ida Lupino mitfühlend dargestellt wird; Es entsteht auch eine Fantasiewelt, in der ihr Wunsch, wieder ein Star zu werden, Wirklichkeit wird: Die übernatürlichen Machenschaften der Twilight Zone belohnen manchmal unschuldige Träumer und bestrafen das Böse auf zunehmend ironische Weise.

52. „Old Man in the Cave“ (Folge 5.07) Die tiefe Schroffheit des legendären James Coburn in einer Nebenrolle verleiht Serlings Drehbuch über die Gefahren – oder sind es die Vorteile – des Vertrauens in Autoritäten viel Würze. John Anderson spielt das treue Sprachrohr des allmächtigen und weisen „Mannes in der Höhle“, der über eine kleine Gruppe von Menschen herrscht und dennoch nie gesehen wird. Wenn diese Menschen sich erheben und von „dem Mann“ Verantwortung fordern, werden sie dann ihre Unabhängigkeit erreichen oder ihrem Untergang entgegensehen? Regisseur Alan Crosland Jr. inszeniert das Drehbuch mit größtmöglicher moralischer Ambiguität und verleiht dem Stoff mehr Tiefe.

51. „The Shelter“ (Episode 3.03) Die Science-Fiction-Elemente dieses Moralstücks sind in erster Linie ein Vorwand, um zu untersuchen, wie schnell sich sonst anständige und rationale Menschen bei der ersten Ahnung katastrophaler Probleme in selbstsüchtige Monster verwandeln. Tatsächlich scheinen die Berichte über eine drohende Alien-Invasion eingefügt worden zu sein, um die Geschichte nach dem Vorbild von „The Twilight Zone“ zu gestalten: Es handelt von einem Arzt (Larry Gates), der versucht, seinen Luftschutzbunker vor der wachsenden Menge zu verteidigen, die hinein will, nachdem er davon erfahren hat Der außerirdische Angriff steht unmittelbar bevor. Das Ende ist vorhersehbar, aber in diesem Fall ist das kein Nachteil, da es gut verdeutlicht, wie schwach das menschliche Urteilsvermögen sein kann.

50. „Zwischenstopp in einer ruhigen Stadt“ (Folge 5.30) Der Spaß an dieser Folge besteht darin, dass die Zuschauer die Hinweise auf das Geheimnis in ihren Gedanken arrangieren, bis sie zu der zugegebenermaßen albernen, aber humorvoll schelmischen Wendung gelangen. Es beginnt als geradliniger Thriller über ein Paar (Barry Nelson und Nancy Malone), das sich nach einer langen Nacht voller Alkohol in einer fremden Stadt wiederfindet. Genau wie in „Where is Everybody?“ Sie sind die einzigen Menschen dort, und der Zug, das einzige Transportmittel, fährt einfach im Kreis weiter. Der Ton im Drehbuch von Earl Hamner Jr. verschiebt sich allmählich in Richtung Farce, bis man am Ende ungläubig ist, dass man sich dazu verleiten ließ, die augenzwinkernde Prämisse so ernst zu nehmen.

49. „A Passage for Trumpet“ (Episode 1.32) Ist die Kunst eines Künstlers eine Quelle der Inspiration, auch wenn der Künstler weder seinen Lebensunterhalt bestreiten noch einen Bruchteil der Leistungen erzielen kann, die er verdient? Serling, der viele Jahre in Armut und sozialer Isolation verbrachte, während er darum kämpfte, im Unterhaltungsgeschäft Fuß zu fassen, konnte diesen Konflikt durchaus nachvollziehen. Deshalb wirkt sein Drehbuch über einen unglücklichen Trompeter (Jack Klugman), der versucht, sich das Leben zu nehmen, nur um von einem Engel gerettet zu werden, der ihm eine neue Perspektive auf seine Leidenschaft gibt, so persönlich. Klugman hatte die ausgeprägte Fähigkeit, so viel Trauer durch den einfachsten Blick zu verarbeiten, daher ist er hier perfekt besetzt. Der biblische Blickwinkel am Ende lenkt von den Themen der Geschichte ab, aber dies ist eine unverzichtbare Episode für jeden, der auf der Suche nach neuer Inspiration ist.

48. „Once Upon a Time“ (Episode 3.13) Dies ist ein Geschenk des Himmels für Buster-Keaton-Fans. Serling und der Rest der Crew schätzten Keatons Stummfilmklassiker offensichtlich sehr, deshalb geben sie sich alle Mühe, die Atmosphäre dieser Filme einzufangen, mit einer ersten Hälfte, die komplett stumm ist, komplett mit Zwischentiteln. Die Geschichte eines Mannes (Keaton), der sein Leben im späten 19. Jahrhundert hasst und nach einer Zeitreise herausfindet, dass die Dinge im 20. Jahrhundert nicht viel besser werden, ist so einfach wie es nur geht, aber dieses ist es wert Allein Keatons Leistung.

47. „The Gift“ (Folge 3.32) Das bittere Schlussbild von „The Gift“ enthält eine ebenso bittere Wahrheit: Menschen werden immer irrationale Angst vor denen haben, die sie nicht verstehen, auch wenn das bedeutet, dass sie gegen ihre eigenen handeln Interessen. Serlings angemessen wütende Moralgeschichte handelt von einem Außerirdischen (Geoffrey Horne), der auf der Erde abstürzt und dabei etwas mitbringt, von dem er behauptet, es sei ein Geschenk an alle Menschen. Wie vorherzusehen war, dämonisieren die Menschen den Außerirdischen, was möglicherweise zu ihrem eigenen Untergang führt. Eine Nebenhandlung über die Freundschaft des Außerirdischen mit einem Jungen (Edmund Vargas) zeigt, dass nicht alle Menschen Vorurteile haben, aber hier keinen anderen moralischen Halt suchen.

46. ​​„Miniature“ (Folge 4.08) „Miniature“ ist mit Abstand die beste Folge der vierten Staffel, und das aus zwei Gründen. Erstens enthält es eine der denkwürdigsten Darbietungen in Robert Duvalls gesamter Karriere, was viel sagt. Und zweitens konzentriert sich Beaumonts Drehbuch ganz auf die Charakterentwicklung statt auf die Prämisse und nutzt dabei die einstündige Laufzeit voll aus. Es ist eine zarte Fantasie/Romanze über einen einsamen Mann (Duvall), der sich nach und nach in eine Miniaturpuppe (Claire Griswold) verliebt, die Teil eines Miniaturhauses in einem Kaufhaus ist. Versuchen Sie, keine Träne zu vergießen, wenn Sie das schöne Endbild sehen.

45. „Nightmare as a Child“ (Episode 1.29) Dies ist ein dicht gewundener Hitchcock-Thriller/Krimi – so sehr, dass man sich vorstellen kann, dass die Autoren von „Alfred Hitchcock Presents“, die sich zum Zeitpunkt der Ausstrahlung dieser Episode noch in der Produktion befanden, ihre Köpfe zusammenschlugen den Tisch und fragten sich, warum sie nicht zuerst daran gedacht hatten. Tatsächlich ähneln einige Handlungsstränge und stilistische Entscheidungen so sehr denen von Hitchs „Marnie“, dass man sich fragt, ob sich Hitch selbst von der Episode inspirieren ließ. Die spannende Geschichte einer Frau (Janice Rule), die von einem jungen Mädchen (Terry Burnham) belästigt wird, um die unterdrückten Erinnerungen der Frau freizuschalten, führt zu einem packenden Höhepunkt im Stil eines Rear Window.

44. „Ferngespräch“ (Folge 2.22) Diese gruselige, aber emotional starke Geistergeschichte ist eine einfühlsame Auseinandersetzung mit einem zutiefst menschlichen Kummer: unserer Traurigkeit bei dem Gedanken, diese Welt zu verlassen und nie wieder Zeit mit unseren Lieben zu verbringen. Doch bis wir zum Ende kommen, ist das Drehbuch von William Idelson und Beaumont voller gruseliger Momente: Die Geschichte dreht sich um eine tote Großmutter (Lily Darvas), die über ein Spielzeugtelefon mit ihrem Enkel (Bill Mumy) kommuniziert und versucht, ihn davon zu überzeugen tötet sich selbst, damit sie zusammen im Himmel sein können.

43. „A World of Difference“ (Episode 1.23) Man kann sich vorstellen, dass Andrew Niccol, der die Truman Show geschrieben hat, sich Notizen zu dieser Episode über einen gewöhnlichen Geschäftsmann (Howard Duff) macht, der seinem Alltag nachgeht, nur um dann einen Regisseur „Cut“ schreien zu hören !“ Es stellt sich heraus, dass der Mann eine Figur aus einer Fernsehsendung ist und sein Bewusstsein in den Geist des Schauspielers übertragen wird, der ihn spielt. Oder verliert er einfach den Verstand? Warum ist er sich plötzlich sicher, dass sich die Welt nur um ihn dreht? In unserer postmodernen Kulturlandschaft ist diese existenziell nervöse und verspielte Episode sehr gut gealtert.

42. „The Lateness of the Hour“ (Episode 2.08) Die Wendung in dieser von Rod Serling verfassten Geschichte über Technophobie stellt eine der psychologisch und moralisch komplexesten Untersuchungen dar, was es für künstliche Intelligenz wirklich bedeuten würde, das volle menschliche Bewusstsein zu erlangen. Würden sie auch unsere schlimmsten Tendenzen wie irrationalen Hass und Vorurteile übernehmen? Inger Stevens spielt Jana, die Tochter eines Arztes (John Hoyt), der sein Zuhause mit Robotern füllt, die sich um alle seine Bedürfnisse kümmern. Jana traut den Robotern jedoch nicht, weil sie befürchtet, dass sie ihre Familie ihrer eigenen Menschlichkeit berauben. Wenn man die übliche Struktur der Twilight Zone-Geschichte kennt, ist es nicht allzu schwer, die Wendung vorherzusagen, aber das macht sie nicht weniger wirkungsvoll.

41. „Die Masken“ (Folge 5.25) Autor Serling übernimmt die Moral von Kindermärchen wie „Die Schöne und das Biest“ – äußere Schönheit und innere Schönheit haben keinen Zusammenhang – und wendet sie auf eine düstere Horrorgeschichte mit alptraumtreibenden Bildern an. Ein reicher Mann (Robert Keith) stellt auf dem Sterbebett nur eine Bedingung an seine goldgräberischen Erben, wenn diese ihm nach seinem Tod sein Vermögen entreißen wollen: Jeder muss eine gruselige Maske tragen, bis der reiche Mann stirbt. Klingt nach einem einfachen Kompromiss, nicht wahr? Aber denken Sie daran, dass dies die Twilight Zone ist, in der die Bösen, egal wie hübsch sie von außen aussehen mögen, immer auf kreative Weise bestraft werden.

40. „Es lebe Walter Jamison“ (Episode 1.24) Diese von Beaumont verfasste Episode ähnelt Serlings „Escape Clause“. In beiden Geschichten geht es um Männer, denen Unsterblichkeit gewährt wird, nur um dann die Banalität und Einsamkeit einer solchen Existenz zu erkennen. Während Serling die Idee mit einem komischen Konzept verfolgt, blickt Beaumont klugerweise nach innen. Er drückt das belastende Leben des 2000 Jahre alten Protagonisten (Kevin McCarthy) sanft durch ein dialoglastiges Kammerstück aus. Bemerkenswert ist die Folge auch durch den Einsatz bahnbrechender Make-up-Techniken. Möglicherweise hat sich Spielberg während der Dreharbeiten zu „Indiana Jones“ und „Der letzte Kreuzzug“ Notizen gemacht.

39. „Deaths-Head Revisited“ (Episode 3.09) In der Twilight Zone gab es eine Reihe bissiger und wütender Episoden über die Übel des Dritten Reiches und des Holocaust, und Serlings furchtlose Beharrlichkeit, das Publikum an die Gräueltaten der Nazis zu erinnern, verdient Anerkennung. Dies ist eines seiner eindringlichsten und offenherzigsten Drehbücher zu diesem Thema. Und die Geschichte eines ehemaligen Nazi-Offiziers (Oscar Beregi), der nach den Geistern der von ihm gefolterten und getöteten Juden beurteilt wird, wird von Don Medford mit angemessener Grimmigkeit inszeniert.

38. „The Midnight Sun“ (Episode 3.10) „Midnight Sun“ hat eine so wunderbare apokalyptische Prämisse, dass ich überrascht bin, dass Roland Emmerich sie nicht geklaut hat: Während der Erde aufgrund der nahen Annäherung der Sonne der Untergang droht, wird eine Frau (Lois Nettleton ) kämpft darum, einen Eindringling (Tom Reese) loszuwerden, der ihr Wasser haben will, das verständlicherweise knapp ist. Rod Serlings Drehbuch gelingt es auf raffinierte Weise, eine derart konzeptionelle Idee auf das knappe Budget der Serie anzuwenden, indem er die Geschichte in ein spannungsgeladenes Kammerstück verwandelt. Das Ende fühlt sich zunächst wie ein billiger Cop-Out an, wird aber durch eine brillante Wendung wiedergutgemacht.

37. „Person or Persons Unknown“ (Folge 3.27) Ist Identität nur ein Name und ein Gesicht, oder geht sie tiefer? Diese umgekehrte Dark City-Prämisse handelt von einem Mann (Richard Long), der aufwacht und feststellt, dass niemand weiß, wer er ist. Natürlich wird er in eine psychiatrische Einrichtung eingewiesen, wo er einige Beweise für seine Existenz findet – Beweise, die sich mit jeder Minute in Luft aufzulösen scheinen. „Person or Persons Unknown“ ist ein existenzieller Albtraum der Extraklasse, der schon früh die Spannung steigert und nie wieder loslässt. Der Höhepunkt schafft es auch gut, dem Protagonisten den Spieß umzudrehen, ohne dabei aufdringlich zu wirken.

36. „Steel“ (Episode 5.02) Wenn Sie sich schon immer nach einer besseren Version des Robo-Kampffilms „Real Steel“ von Hugh Jackman aus dem Jahr 2011 gesehnt haben, dann sind Sie hier: Im Gegensatz zu diesem Stück bodenlosen Flaums, Mathesons knappem Drehbuch über a Die zukünftige Boxliga, in der nur Roboter boxen dürfen, ist eine besonnene Auseinandersetzung mit dem menschlichen Geist und der fortschrittlichen Technologie. Lee Marvin ist hervorragend als Trainer/Ex-Boxer, der verzweifelt genug ist, sich als Roboter zu verkleiden und mit einem Brocken Metall in den Ring zu steigen. Das Ergebnis ist vorhersehbar tragisch, mit einer bittersüßen Note.

35. „Die Nacht der Sanftmütigen“ (Folge 2.11) Diese Folge ist ein Katzenminze für Fans herzerwärmender Weihnachtsgeschichten. „Die Nacht der Sanftmütigen“ ist eine rührende Geschichte der Erlösung und findet einen betrunkenen Weihnachtsmann (Art Carney), der auf eine mysteriöse Tasche stößt, die auf magische Weise die Weihnachtswünsche aller hervorrufen kann. Es ist voller echter Wärme und Carneys natürlicher Charme und seine unmittelbare Freundlichkeit kommen in seiner vielschichtigen Darbietung zum Ausdruck. In einer gerechten Welt wäre diese Folge ein fester Bestandteil der Weihnachtszeit.

34. „Wird der echte Marsianer bitte aufstehen?“ (Folge 2.28) In dieser stressigen, aber düster-humorvollen Folge trifft ein Agatha-Christie-Krimi auf John Carpenters „The Thing“. Es geht um eine Gruppe von Menschen, die wegen extremen Wetters in einem Restaurant festsitzen und zunehmend den Verdacht hegen, dass einer von ihnen ein Außerirdischer ist. In wahrer Krimi-Manier erzeugt die Episode akribisch ein Gefühl der Paranoia, und auch wenn die verspielte letzte Wendung höllisch kitschig ist, passt sie dennoch zum Gesamtton.

33. „The Long Morrow“ (Episode 5.15) Die Twilight Zone ist nicht unbedingt für ihre Romanzen bekannt, aber wenn Ihnen diese nicht zu Herzen geht, überprüfen Sie Ihren Puls. Rod Serlings zartes Drehbuch handelt von einem Astronauten (Robert Lansing), der sich in eine Frau (Mariette Hartley) verliebt, kurz bevor er zu einer jahrzehntelangen Reise aufbricht, die er in einer schwebenden Animation verbringen wird. Wenn er zurückkommt, wird er noch jung sein, aber seine Geliebte wird viel älter sein. Die Lösung, die das Drehbuch für dieses Dilemma findet, das es immer wieder auf den Kopf stellt, ist sowohl praktisch brillant als auch emotional niederschmetternd.

32. „The Big Tall Wish“ (Episode 1.27) Es ist möglich, vom Leben so erschöpft zu werden, dass man die Augen vor den Wundern verschließt, die um einen herum geschehen. Diese süße, inspirierende Episode über ein Kind namens Henry (Steven Perry) geht dieser Idee nach ), der sich wünscht, dass sein Lieblingsboxer (Ivan Dixon) einen Kampf gewinnt. Der Wunsch geht in Erfüllung, doch der von der Grausamkeit des Lebens niedergeschlagene Kämpfer weigert sich, an die Magie zu glauben. Das Ende findet eine Balance zwischen dem Realen und dem Fantastischen, eine Klangmischung, die definiert, was The Twilight Zone so besonders macht.

31. „The Silence“ (Episode 2.25) Dieser Thriller enthält keine Fantasy- oder Science-Fiction-Elemente, was bedeutet, dass er eher an Alfred Hitchcock Presents oder Rod Serlings Post-Twilight Zone-Projekt „Night Gallery“ erinnert. Dennoch ist „The Silence“ ein meisterhaft inszenierter Kurzfilm, der die Erwartungen des Zuschauers auf Schritt und Tritt herausfordert. Ein spießiger reicher Mann (Franchot Tone) ist genervt von seinem lauten Freund (Liam Sullivan) und bietet eine Wette an: Wenn der Freund ein ganzes Jahr lang den Mund hält, gibt ihm der reiche Mann eine halbe Million Dollar. Der Spaß in dieser Folge erreicht seinen Höhepunkt mit der süßen Ironie der letzten Wendung.

30. „Kick the Can“ (Episode 3.21) Bei allem Respekt vor Steven Spielberg geht sein Remake dieser bahnbrechenden Twilight Zone-Folge aus dem Twilight Zone-Film von 1983 völlig am Sinn von Johnsons Drehbuch vorbei, indem es ein unkluges Ende anstrebt. Johnsons Geschichte handelt von einer Gruppe Senioren, deren Kinder sie zum Sterben in einer Pflegeeinrichtung zurücklassen. Die Senioren sehnen sich nach den befreienden Tagen ihrer Kindheit und beschließen, eine Partie Kick the Can zu spielen. Das endgültige Bild hat die Tränen, die es Ihnen zweifellos in die Augen treiben wird, mehr als verdient.

29. „Nummer 12 sieht genauso aus wie du“ (Folge 5.17) Menschen sind aufgrund ihrer Unvollkommenheiten etwas Besonderes – nicht weil sie sich an traditionelle Schönheitsstandards halten. Diese sozialbewusste Episode stellt sich eine Zukunft vor, in der jeder im Alter von 19 Jahren chirurgisch verändert wird, um wie eines der wenigen akzeptablen Gesichter und Körper auszusehen, die die Gesellschaft für attraktiv hält. Aus Angst vor dem Verlust ihrer Identität verweigert eine junge Frau (Collin Wilcox) die Teilnahme und wird bis zum düsteren, aber unausweichlichen Ende zur gesellschaftlichen Ausgestoßenen.

28. „To Serve Man“ (Episode 3.24) Dies ist möglicherweise die am meisten parodierte Episode von „The Twilight Zone“: Die legendären Schlusszeilen zu zitieren, würde bedeuten, die köstlich verrückte Wendung zu enthüllen. In dieser augenzwinkernden Alien-Begegnungsgeschichte begrüßt eine Gruppe telepathischer Außerirdischer – angeführt von Richard Kiel, besser bekannt als James Bonds Feind Der Weiße Hai – Menschen mit einem Buch mit dem Titel „To Serve Man“. Jeder, der ein wenig über die „Treehouse of Horror“-Folgen der Simpsons Bescheid weiß, sollte bereits wissen, wohin das breiige, aber zugegebenermaßen clevere Wortspiel führt. Und egal, ob man sich der Wendung bewusst ist oder nicht, der selbstbewusste Ton von Serlings Drehbuch macht immer noch jede Menge Spaß.

27. „Die Odyssee von Flug 33“ (Episode 2.18) Einige großartige Twilight Zone-Episoden haben kein klares soziokulturelles Thema oder eine komplexe existenzielle Erzählung: Einige fliegen prächtig vorbei, wenn sie eine faszinierende Prämisse umsetzen. Diese Geschichte über ein Verkehrsflugzeug, das in der Zeit verloren geht, nachdem es durch ein Portal geflogen ist, ist voller schockierender und manchmal unterhaltsam alberner Wendungen. Betrachten Sie dieses Spiel als eine leichte Science-Fiction-Achterbahnfahrt und Sie werden eine Menge Spaß haben.

26. „It's a Good Life“ (Folge 30.8) Vielleicht kam die TV-Folge, die das Chaos der Trump-Präsidentschaft am besten erklärt, vor fast sechs Jahrzehnten heraus. Serlings Drehbuch, das auf einer Kurzgeschichte von Jerome Bixby basiert, steigt auf der Schockanzeige sofort von 0 auf 60, indem es mit einer Gruppe Erwachsener beginnt, die sich gegenseitig anflehen, ein Kind zu töten (Billy Mumy). Dennoch ist dies kein gewöhnliches Kind. Ausgestattet mit unbegrenzter magischer Kraft kann er jeden verschwinden lassen, der nicht auf seine Wünsche eingeht. Dadurch entsteht eine bizarre Kultur, in der Erwachsene gezwungen sind, übereinander zu stolpern, um in die Gunst des Kindes zu gelangen. „It's a Good Life“ ist eine gruselige Geschichte darüber, was passiert, wenn die absolute Macht in den Händen der falschen Person liegt. Das ist eine Lektion, die wir immer noch nicht gelernt haben.

25. „Twenty Two“ (Episode 2.17) Die geradlinige Einfachheit dieser höllisch gruseligen Horrorgeschichte macht sie zu einem erstklassigen Albtraumfutter: Eine Tänzerin (Barbara Nichols) wird von einem wiederkehrenden Traum heimgesucht, in dem sie in einem landet Leichenschauhaus, wo eine finstere Krankenschwester ihr sagt, dass noch Platz für einen weiteren ist. Die Episode baut ihre Lynch-Logik so effektiv auf, dass man sich fast wünscht, sie hätte kein so traditionelles Ende gehabt, aber es ist immer noch schwer, den Schock für die Sinne zu leugnen. Aufgrund von Budgetkürzungen wurden einige Episoden der zweiten Staffel auf Videoband gedreht, um die Ästhetik der Live-Fernsehdramen dieser Zeit nachzuahmen. „Twenty Two“ ist der einzige, der den flachen, klinischen Look des Formats zu seinem unkonventionellen Vorteil nutzt.

24. „Das Grab“ (Folge 3.7) Ist es möglich, dass die Angst vor dem Tod unseren Geist tötet, bevor der Tod selbst unseren Körper erobert? Diese grenzwertige Gothic-Western-Episode, geschrieben und inszeniert von Montgomery Pittman, ist eine schonungslose Auseinandersetzung mit der zerstörerischen Kraft der Angst. Lee Marvin ist wieder einmal großartig in einer Twilight Zone-Rolle, dieses Mal als Revolverheld, der von dem heimgesucht wird, was sein letztes Opfer vor seinem Tod gesagt hat: Wenn der Revolverheld jemals sein Grab besucht, wird er ihn packen und mit sich in den Dreck ziehen. Um die Albernheit dieser Vorahnung zu beweisen, beschließt der Revolvermann, das Grab aufzusuchen. Aber reicht es aus, so zu tun, als hätten wir unsere Ängste überwunden, oder besiegelt das Ignorieren unserer Gefühle unseren Untergang?

23. „Living Doll“ (Episode 5.6) Jahrzehnte bevor die Child's Play- und Annabelle-Franchises die mörderische Idee einer lebenden Puppe nutzten, perfektionierte diese breiige, aber wirklich erschreckende Episode die Prämisse. Telly Savalas spielt einen mürrischen Vater, der gegenüber der sprechenden Puppe seiner Tochter immer misstrauischer wird. Er ist zu Recht paranoid, da die Puppe es auf ihn abgesehen hat, und er sollte besser vorsichtig sein, wenn er die Nacht überleben will. Bis heute fällt es mir schwer, an die Zeile „Mein Name ist Talky Tina und ich werde dich töten“ zu denken, ohne dass mir ein Schauer über den Rücken läuft.

22. „The Howling Man“ (Episode 2.5) Fans des übernatürlichen Horrors im Stil von Edgar Allen Poe werden sich höchstwahrscheinlich in diese düstere und düstere Geschichte über Glaube versus Rationalität verlieben. In Beaumonts eng verwickeltem Mysterium stößt ein Wanderer (HM Wynant) auf eine Einsiedelei, in der ein Priester (John Carradine) einen Mann (Robin Hughes) eingesperrt hat, von dem er behauptet, er sei der Teufel. Ist der Priester ein gefährlicher Eiferer oder sind seine Behauptungen wahr? Es liegt am Protagonisten, einem Platzhalter für die unterschiedlichen Überzeugungen der Menschheit, herauszufinden: Wird er das Leben eines unschuldigen Menschen retten oder den Planeten vernichten? Ich wünschte fast, es gäbe am Ende keine Antwort, aber der geschickte Einsatz von Spezialeffekten macht es lohnenswert.

21. „A Game of Pool“ (Episode 3.5) Es ist eine Freude zu sehen, wie Jack Klugman und Jonathan Winters, ein großartiger Schauspieler und ein großartiger Komiker, in dieser warnenden Geschichte über Ehrgeiz eine so sofortige Chemie miteinander teilen. Klugman spielt einen arroganten Billardspieler, der sich mit dem legendären (aber toten) Spieler von Winters messen möchte. Am Ende wird ihm sein Wunsch erfüllt, obwohl The Twilight Zone natürlich von dem alten, immer relevanten Sprichwort lebt: „Sei vorsichtig, was du dir wünschst.“ In diesem Kammermusikstück gibt es nicht viele Wendungen oder Überraschungen, und das ist beabsichtigt. Sein Durchhaltevermögen ruht auf den Schultern seiner Leistungsträger.

20. „The Trade-Ins“ (Episode 3.31) Diejenigen, die noch nicht genug von hässlichem Weinen am Ende von „The Long Morrow“ hatten, werden diese unglaublich berührende Geschichte älterer Liebesromane wahrscheinlich genießen. Joseph Schildkraut und Alma Platt glänzen als alterndes Paar, das gerade genug Geld hat, um eine einzige Operation zu bezahlen, bei der man in einen jungen Körper transportiert wird. Wer soll eine zweite Chance im Leben bekommen, während der andere an Altersschwäche stirbt? Der Autor Serling zeichnet ein zeitloses Porträt dessen, was es bedeutet, ein Leben lang mit jemandem zu verbringen, den man liebt.

19. „Two“ (Episode 3.01) Zuschauer, die mit der eintönigen Schroffheit von Charles Bronsons „Death Wish“ am besten vertraut sind, sollten sich diese Episode ansehen, die zeigt, wie großartig und vielschichtig er als Schauspieler war. Bronson spielt einen der wenigen Überlebenden eines apokalyptischen Krieges. Er ist seiner Einsamkeit überdrüssig und trifft auf eine Frau (Elizabeth Montgomery, in einer dramatischen Aufführung vor „Verliebt in eine Hexe“), die zufällig eine feindliche Soldatin ist. Werden diese beiden über die Unterschiede hinwegsehen, die ihre inzwischen zerstörten Gesellschaften hervorheben, oder wird die Bigotterie von früher erneut die Oberhand gewinnen? Indem Autor/Regisseur Montgomery Pittman die Charaktere ihre Gefühle bis auf eine einzige Zeile ohne Dialog ausdrücken lässt, schafft er eine geradlinige Verurteilung des Krieges, durchzogen von der Hoffnung, dass die Menschheit aus ihrer Asche auferstehen möge.

18. „Nothing in the Dark“ (Episode 3.16) Diese klassische Episode ist vor allem als eine der ersten Hauptrollen von Robert Redford bekannt, aber sie ist so viel mehr. Es ist ein übernatürliches Drama an einem einzelnen Schauplatz über eine alte Frau (Gladys Cooper), die Angst vor dem Sterben hat und einen freundlichen Polizisten (Redford) verdächtigt, die Personifikation des Todes zu sein. Der Autor Johnson nutzt diese clevere Prämisse als Ausgangspunkt für eine geschickte Untersuchung darüber, ob der Tod eine friedliche Befreiung oder ein unheimliches Übel ist. Die Antwort liegt in „The Twilight Zone“ irgendwo dazwischen.

17. „The After Hours“ (Folge 1.34) Nachdem Sie „The After Hours“ gesehen haben, eine der besten Episoden von The Twilight Zone über die existenzielle Fragilität der Identität, werden Sie Schaufensterpuppen nie mehr mit den gleichen Augen betrachten. Autor Serling steigert nach und nach die Spannung in dieser Geschichte über eine Frau (Anne Francis), die aus einer geheimen Etage eines Kaufhauses immer wieder vertraute, abstoßende Stimmungen verspürt. Das Geheimnis entfaltet sich anmutig, bis wir plötzlich in eine der wahrhaft erschreckendsten Sequenzen in der Geschichte der Serie geraten. Dass eine TV-Folge aus dem Jahr 1959 modernen Horror zeigt, wie man Jump-Scares hinbekommt, ist in der Tat beeindruckend.

16. „Little Girl Lost“ (Folge 3.26)Fans von „Poltergeist“ dürften an dieser Folge viel Gefallen finden: Die Prämisse und ihre Umsetzung waren klare Inspirationen für Steven Spielberg. (Die Verbindung macht umso mehr Sinn, wenn man bedenkt, dass Matheson – der Autor von Spielbergs erstem Spielfilm „Duell“ – die Episode geschrieben hat.) Hier verliert sich ein Mädchen (Tracy Stratford) in einem Geisterreich, das in ihrem Haus verborgen ist, und ihre Eltern (Robert Sampson und Sarah Marshall) beschließen, diese Welt zu betreten, um sie zu finden und herauszuholen. Dank der schonungslos gruseligen Atmosphäre dürfte diese Episode jeden Zuschauer zufrieden stellen, der dem Spezialeffektspektakel von Poltergeist skeptisch gegenübersteht.

15. „Judgement Night“ (Episode 1.10) Karma ist eine Schlampe in „The Twilight Zone“, eine Lektion, die ein zufälliger deutscher Mann (Nehemiah Persoff), der sich auf einem englischen Schiff wiederfindet und keine Erinnerung daran hat, wie er dorthin gelangt ist, schließlich in „Judgement Night“ lernt. zu seinem Nachteil. Dies ist eine der moralisch wirkungsvollsten Geschichten der Serie über die Natur des Krieges: Persoffs große Angst, die die Verwirrung der Figur durchdringt, hält die Spannung hoch, bis wir das schockierende Finale erreichen, das bis zum Rand voller poetischer Gerechtigkeit ist.

14. „Mirror Image“ (Episode 1.21) Haben Sie schon einmal Angst davor, dass ein Doppelgänger von Ihnen genau das gleiche Leben führt? Dann möchten Sie vielleicht diese unglaublich spannende Episode über eine Frau (Vera Miles) überspringen, die den Verdacht hegt, dass eine identische Kopie von ihr immer näher dran ist, ihre Identität zu übernehmen. Was kann sie tun, um dies zu verhindern? Kann sie irgendetwas tun? Die gesamte Episode spielt an einer zufälligen Bushaltestelle. Es handelt sich zwar nicht gerade um einen der sexiesten Schauplätze, aber es zeigt, dass mit einer Killer-Prämisse, einer sauberen Umsetzung und leidenschaftlichen Darbietungen jeder Schauplatz zum Spielplatz für die Besten von „The Twilight Zone“ werden kann.

13. „The Obsolete Man“ (Episode 2.29) Wenn Sie nur eine Episode als Beispiel für die politische Ader von The Twilight Zone anführen können, nennen Sie sie „The Obsolete Man“, eine rücksichtslose Darstellung des Autoritarismus und seiner letztendlich vergeblichen Machtergreifung. Wie immer ist Burgess Meredith als Bibliothekarin, die von seinen faschistischen Herrschern als überholt gilt, eine ernst zu nehmende Kraft. Er schließt eine Wette mit dem Kanzler (Fritz Weaver) ab, um zu beweisen, wer wirklich der „veraltete Mann“ ist. Regisseur Elliot Silversteins starker Einsatz der deutschen expressionistischen Ästhetik ergänzt perfekt die hohe Theatralik des Schriftstellers Serling.

12. „An Occurrence at Owl Creek Bridge“ (Episode 5.22) Da The Twilight Zone mit Budgetproblemen zu kämpfen hatte – die Serie sollte bald darauf abgesetzt werden –, hatte Serling eine geniale Idee: Anstatt eine neue Episode zu produzieren, kaufte man die Rechte an einer preisgekrönten Episode. Kurzfilm gewinnen und diesen stattdessen ausstrahlen. Das Wagnis zahlt sich wunderbar aus: „An Occurrence at Owl Creek Bridge“, ein größtenteils stummer französischer Kurzfilm, der zuvor in Cannes den Kurzfilmpreis gewonnen hatte, passt wie angegossen in das Format und die Tonsensibilität von The Twilight Zone. Es geht um einen Spion der Konföderierten (Roger Jacquet), der eine Erhängung überlebt, als sein Seil reißt, und auf dem Weg zurück zu seiner Geliebten die vielen Schrecken der kompromisslosen Natur durchlebt. Im Wesentlichen handelt es sich um einen viel kürzeren „The Revenant“ mit einem surrealistischen Touch. Wer könnte mehr verlangen?

11. „The Dummy“ (Episode 3.33) Unsere Reise durch die vielen „böse sprechenden Puppen“-Folgen von The Twilight Zone hat uns zu diesem immer noch wirkungsvollen Horrorklassiker geführt. „The Dummy“ ist im Grunde eine Bauchredner-Dummy-Version von „All About Eve“, mit einer Prise süßem, rachsüchtigem Puppenmord als Zugabe. Es geht um einen bösen Dummy (George Murdock), der seine Rache plant, nachdem er durch eine familienfreundlichere – und eigentlich unbelebte – Version ersetzt wurde. Viel Glück beim Entfernen des berüchtigten Schlussbilds der Episode aus Ihren Albträumen.

10. „The Lonely“ (Folge 1.07) Eine herzzerreißende Romanze zwischen einem Astronauten (Jack Warden), der auf einem einsamen Planeten festsitzt, und dem Androiden (Jean Marsh), der ihm Gesellschaft leisten soll. Es ist ein Paradebeispiel für Serlings Fähigkeit, durch unsere Verbindung zur Technologie zutiefst menschliche Geschichten zu erforschen. Die Chemie zwischen Warden und Marsh schafft eines der denkwürdigsten Paare der gesamten Serie. Die Kinematographie nutzt die leeren Räume voll aus und betont so die Isolation des Protagonisten.

9. „Perchance to Dream“ (Episode 1.09) Beaumont ist für das Schreiben einiger der gruseligsten Horrorkurzfilme von „The Twilight Zone“ verantwortlich, und diese eindringliche, filmisch fesselnde Lagerfeuergeschichte ist seine beste. Der einfache, aber hypnotisierende Film „Perchance to Dream“ dreht sich um einen von Ängsten geplagten Mann (Richard Conte), der seinem Therapeuten (John Larch) erzählt, dass er glaubt, dass er sterben wird, wenn ein wiederkehrender Albtraum endlich zu Ende geht. Bis zum unbarmherzigen Finale lässt der Film seine sorgfältig aufgebaute Spannung nicht mehr los.

8. „The Hitch-Hiker“ (Episode 1.16) Die Wendung in diesem großartigen Horror-Kurzfilm wurde im Laufe der Jahrzehnte so oft in Film und Fernsehen wiederholt, dass sie heute fast wie ein Klischee wirkt – so sehr, dass die bloße Erwähnung der Titel von Filme, die davon inspiriert wurden, würden zu viel verraten. Was ihn zeitlos macht, ist die zurückhaltende und minimalistische Regie von Alvin Ganzer, die perfekt zu Serlings Drehbuch passt. Um es so vage wie möglich zu halten, sage ich nur, dass es um einen Fahrer (Inger Stevens) geht, der es nicht schafft, einen mysteriösen Anhalter abzuschütteln, der immer wieder aus dem Nichts auftaucht.

7. „The Invaders“ (Folge 2.15) Mit „The Invaders“ erschaffen Autor Matheson und Regisseur Douglas Hayes eine der spannendsten und beeindruckendsten Horrorgeschichten in der Fernsehgeschichte. Sie erreichen dies fast ohne Dialoge, mit einer einzigen Figur und einem einzigen Ort. Die Prämisse ist äußerst einfach, doch gerade darin liegt der Schlüssel zur emotionalen Kraft der Episode: Eine einsame Frau (Agnes Moorhead) stellt fest, dass ihr Zuhause von winzigen Kreaturen wimmelt, die zu versuchen scheinen, sie zu töten, sodass sie von allen um ihr Leben kämpfen muss Mittel notwendig. Die packende Spannung, die durch Moorheads Leistung enorm unterstützt wurde, würde ausreichen, um sie zu einer der besten der Serie zu machen, aber die Hinzufügung der brillanten letzten Wendung perfektioniert sie.

6. „Fünf Charaktere auf der Suche nach einem Ausweg“ (Episode 3.14) Diese Episode ist bekanntermaßen als Inspiration für Bob Dylans „All Along the Watchtower“ bekannt, aber sie ist auch aus vielen anderen Gründen sehenswert. Die Betrachtung des Lebens aus verschiedenen unorthodoxen Perspektiven macht „The Twilight Zone“ zu einem so interessanten Gefäß für Empathie, und nirgendwo wird dies deutlicher als in der Geschichte von fünf zufälligen Fremden, die alle scheinbar Halloween-Kostüme tragen und sich nicht erinnern, wer sie sind und wie sie schließlich in einer ovalen, hell erleuchteten Zelle gefangen waren. Autor Serling verschärft das Geheimnis mit einigen cleveren Elementen, die den Fluchtplan der Charaktere durchkreuzen, und das Ende lässt Sie über die Bedeutung des Lebens nachdenken.

5. „Nightmare at 20.000 Feet“ (Episode 5.03) Ja, das ist die berüchtigte „Gremlin“-Episode, in der William Shatners flugphobischer Charakter gegen die gruselige, pelzige Kreatur kämpft, die versucht, genau das Flugzeug zu zerstören, in dem er sich befindet. Aber es ist nicht nur wegen ihrer popkulturellen Abstammung eine der besten Episoden von „The Twilight Zone“. Die luftdichte Regie des jungen Richard Donner und eine entsprechend manische Darbietung von Shatner ergänzen Mathesons Drehbuch wunderbar und steigern die Spannung allmählich, bis wir den Siedepunkt erreichen. Das von George Miller inszenierte Remake des Films von 1983 wertet die Kreatur mit besseren Effekten auf, aber die offensichtliche „Typ-in-einem-pelzigen-Anzug“-Kreatur aus dem Original hat etwas tiefgreifendes.

4. „Shadow Play“ (Episode 2.26) Die Twilight Zone ist voll von Episoden, die Situationen darstellen, die einer Albtraumlogik folgen. Aber keines ist so effektiv darin, Angst zu erzeugen wie „Shadow Play“. Dennis Weaver gibt als zum Tode verurteilter Häftling 110 % der Überzeugung, dass er in einem immer wiederkehrenden Traum lebt und dass jeder um ihn herum aufhören wird zu existieren, sobald er hingerichtet ist. Der Albtraum rückt immer näher an die Hinrichtung heran, was dazu führt, dass selbst diejenigen in der Umgebung von Weavers Figur an ihrem eigenen Verständnis der Realität zweifeln. Es ist sehr schwer, so ein großartiges Horrorskript auf die Beine zu stellen. Es ist auch schwierig, eine spannende Geschichte mit existenziellen Themen zu schreiben, die nicht predigend wirken. Beides mit demselben Material zu erreichen, erzeugt eine Art Magie.

3. „Time Enough at Last“ (Episode 1.08) Twilight Zone MVP Burgess Meredith erschafft eine der denkwürdigsten Figuren seiner legendären Karriere als sanftmütiger Bücherwurm, der in einer zunehmend antiintellektuellen Gesellschaft einfach nur Zeit zum Lesen haben möchte. Er bekommt seinen Wunsch – und von da an geht es bergab. Es ist schwer, an die Zeile „There was time now“ zu denken, ohne angesichts der Tragödie ihrer brillanten Wendung trübe Augen zu haben und gleichzeitig ein schelmisches Lächeln über Serlings grausam verspielten Sinn für Humor zu zaubern. Klar, mittlerweile kennt jeder die Wendung, aber das tut der Kraft dieser rohen, zutiefst menschlichen Tragikomödie keinen Abbruch.

2. „The Monsters Are Due on Maple Street“ (Folge 1.22) „The Monsters Are Due on Maple Street“ ist nicht nur eine der besten Twilight Zone-Folgen; Es ist auch eine der wichtigsten Allegorien gegen Panikmache und Fremdenfeindlichkeit in Kurzgeschichtenform. Serling greift ein allgemeines Prinzip auf – wie menschliche Angst und Paranoia auf immer gewalttätigere Weise Nachbarn gegen Nachbarn aufbringen können – und fasst dies auf brillante Weise zu einer Geschichte über die gewöhnlichen Bewohner eines rein amerikanischen Vorstadtblocks zusammen, die sich unter der Bedrohung zunehmend gegenseitig bedrohen eine Invasion durch als Menschen getarnte Außerirdische. Die sardonische, aber thematisch treffende Wendung ist einer der ergreifendsten Momente der gesamten Serie.

1. „The Eye of the Beholder“ (Folge 2.06) „The Eye of the Beholder“ ist nicht nur die beste Twilight Zone-Folge. Es ist einer der großartigsten Kurzfilme, die je gedreht wurden. Regisseur Douglas Heyes nimmt Serlings technisch komplexes, aber thematisch wichtiges und emotional explosives Drehbuch und stellt sich der Herausforderung mit Anmut und filmischem Können. „Das Auge des Betrachters“ erzählt die Geschichte einer Frau (Maxine Stuart), die so hässlich ist, dass sie keine Chance auf ein normales Leben hat, es sei denn, sie unterzieht sich einer Reihe experimenteller Operationen. Die Episode musste so gedreht werden, dass die Aufmerksamkeit nicht einmal auf die einfachsten visuellen Aspekte der Charaktere gelenkt wurde, auf die Gefahr hin, die explosive Wendung vorzeitig zu verraten. Heyes schafft diesen Drahtseilakt, indem er von der technischen Liebe zum Detail abweicht und großen Wert auf das Schreiben und die Darbietungen legt. „The Eye of the Beholder“ ist der Höhepunkt von Twilight Zone: Spannend, geheimnisvoll und unterhaltsam vom ersten bis zum letzten Bild, während er seine Botschaft auf eine frische, nachdenkliche und letztlich zeitlose Weise vermittelt.

Oktay Ege Kozak ist Filmkritiker und Drehbuchtrainer. Er lebt mit seiner Frau, seiner Tochter und zwei King Charles Spaniels in der Nähe von Portland, Oregon, wenn er nicht die dunklen und geheimnisvollen Grenzen der Twilight Zone besucht.

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